El pasado sábado 11 de octubre tuvo lugar la presentación de un nuevo Quattrocento por Esteban Hernández, autor de el Fanzine Usted y Culpable e historias cortas. Conjuntamente se presentó Hermi y Max pareja de desehecho de Ricardo Peregrina. Ambas obras las edita Dolmen.
Tuvimos un rato para charlar animadamente con Esteban Hernández sobre su obra presente y futura. También pudimos visitar la Librería Universal, dónde tuvo lugar el evento.
Como seguro que sabéis, en cierto momento Jack Kirby declaró que Spider-Man era una creación suya, a pesar de que después fuese desarrollado por Stan Lee y Steve Ditko. En Mayo de 1990, la Robin Snyder’s History of Comics v1 #5 publicaba un articulo de Steve Ditko (que posteriormente se ha reimpreso en diversas revistas con pequeñas variaciones) donde éste aborda el tema de la creación del superhéroe. A través de Stan’s Soapbox hemos llegado al blog de un falso Steve Ditko donde acaba de publicarse el texto completo, que traducimos a continuación.
En mi serie de ensayos Avenging the Issues, ahora en estado de borrador, trato más en profundidad sobre los aspectos de las ideas, creadores y creación, definiciones y otros conceptos relevantes (colaboración, propiedad del arte, derechos y justicia), sus varios contextos (Marvel, el éxito de Marvel, la división de trabajo). También supone examinar numerosas confusiones, errores y falacias.
Pero con la Robin Snyder’s History of Comics, se me ha dado una oportunidad para tratar brevemente sobre algunos temas y problemas específicos –la creación de Spider-Man y su traje- que nunca deberían haber surgido y que desafortunadamente están casi fuera de control. Ahora, espero, puede darse fin a ellos o ser reducidos al nivel de no-tema.
En Comics Scene #2, de Marzo de 1982, página 27, Jack Kirby es citado diciendo: “Hice un montón de cosas. La única serie en la que no trabajé fue Spider-Man, que hizo Steve Ditko. Pero Spider-Man fue creación mía.”
Hay una entrevista a Kirby, por Gary Groth, en The Comics Journal #134, de Febrero de 1990. En la página 82 dice: “Yo creé a Spider-Man. Decidimos dárselo a Steve Ditko. Yo dibujé la primera portada de Spider-Man. Yo creé al personaje. Yo creé el traje. Yo creé todas esas series, pero no podía hacerlas todas. Decidimos darle la serie a Steve Ditko…”
Una creación es algo creado, especialmente algo original: Creado por la imaginación, invención o diseño (ruido, basura, graffiti, bombilla, novela, etc.). Hay un rango/grado de creación, de lo anecdótico, lo superficial, a lo fundamental.
Creador. El que crea.
En 1961 yo estaba trabajando con Stan Lee (guionista/editor en Marvel Comics) produciendo material (historias y dibujo) para Amazing Adventures (que se convirtió en Amazing Adult Fantasy). Brevemente, sobre nuestro método de trabajo, Stan aportaba las ideas de las tramas. Había una discusión para aclararlo todo, considerar opciones y demás. Después yo hacía la división en páginas/viñetas, dibujaba a lápiz la continuidad visual de la historia y, en un papel aparte, aportaba unos diálogos para las viñetas muy básicos, simplemente como guía para Stan. Volvíamos sobre las páginas a lápiz y yo explicaba cualquier variación, cambio y adición, anotando todo lo que debía ser corregido antes o durante el entintado. Stan aportaba el diálogo acabado para los personajes, ideas, consistencia y continuidad. Una vez rotuladas, yo entintaba las páginas.
La revista surgió a partir de las historias de final sorprendente de cinco páginas que habíamos hecho como complemento para Strange Tales, Tales to Astonish, Tales of Suspense y Journey into Mystery.
El formato típico para estos títulos consistía en una historia principal de 10-12 páginas sobre algún extraterrestre o monstruo o criatura con un nombre raro (Groo, Grottu, Fin Fang Foom, Kkranga, tec.). Stan era el guionista, Kirby el dibujante a lápiz y generalmente Dick Ayers hacía el entintado. Las historias de complemento (cinco páginas) eran dibujadas por Don Heck, Paul Reinman y yo.
Dado que esas historias de final sorprendente recibieron cartas favorables, se pensó que una serie completa hecha por nosotros podría vender.
Amazing Adult Fantasy nació y llegó al número 14 cuando Stan dijo que un nuevo héroe Marvel sería introducido en el número 15. Se llamaría Spider-Man. Jack haría el dibujo a lápiz y yo lo entintaría.
En una discusión conmigo sobre Spider-Man, Stan dijo que le gustaba el nombre Hawkman pero que DC tenía el nombre y el personaje. Marvel añadiría al Hombre Hormiga (y la Avispa) de modo que tendría la categoría de los insectos. (Técnicamente, una araña no es un insecto). De ello, deduje que Stan había dado nombre al personaje.
Quién fue el primero en inventar el nombre específico, Spider-Man, es algo que deben resolver Stan y Jack. Stan dijo que Spider-Man sería un adolescente con un anillo mágico que podría transformarlo en un héroe adulto –Spider-Man. Yo dije que eso sonaba como La Mosca, que Joe Simon había hecho para Archie Publications. No creía que Jack estuviese involucrado en esa serie porque los números que yo había visto carecían del típico estilo Kirby.
Stan llamó a Jack para hablar del tema pero no sé lo que se discutió. Nunca hablé con Jack sobre Spider-Man, de modo que no sé cuáles eran sus ideas sobre el personaje realmente.
Más tarde, en cierto momento, me dieron a mí el trabajo de dibujar Spider-Man. ¿Por qué, exactamente? Stan y Jack también tienen que aclarar eso.
Una de las primeras cosas que hice fue inventar un traje. Una parte visual vital del personaje, yo tenía que saber cuál era su aspecto para que fuera acorde a los poderes que tuviera o pudiera tener, los posibles artilugios y cómo podrían ser usados y mostrados, antes de hacer abocetar ninguna página. Por ejemplo: Un poder escalador, de modo que no tendría zapatos duros o botas, un disparador de muñeca escondido frente a una pistola de redes, una cartuchera, etc.
La creación del traje es una historia en sí misma. Algunos puntos breves: El obvio es el uso del tema arácnido y el diseño de red; yo no estaba seguro de que a Stan le gustase la idea de cubrir la cara del personaje, pero lo hice porque ocultaba una cara obviamente infantil. También añadiría misterio al personaje y daría al lector/observador la oportunidad de visualizar, “dibujar”, su propia expresión preferida en la cara de Peter Parker y, tal vez, convertirse en la persona tras la máscara. ¿Funcionó así? (Hay interesantes teorías psicológicas sobre las máscaras).
Kirby había dibujado a lápiz cinco páginas de su Spider-Man. Cuánto era puro Kirby, cuánto Lee, les corresponde a ellos resolverlo.
La splash era la única página con un dibujo de Spider-Man. Un típico ángulo de Kirby de héroe/acción. Pero el traje es lo que importa. (Ver ilustración). No estoy seguro sobre el diseño abstracto en el pecho. Lo más parecido a ello es el de el Hombre Hormiga. El Spider-Man de Kirby tenía una pistola de red, nunca vista en uso. La única conexión con el tema arácnido era el nombre.
Las otras cuatro páginas mostraban a un adolescente viviendo con su tía y su tío. La tía era una mujer agradable, el tío era un capitán de policía retirado, duro, brusco, del tipo del General Thunder Ross (de Hulk), y era severo con el adolescente.
En la puerta de al lado o en algún lugar del vecindario había un científico típico a la vieja usanza involucrado en algún tipo de experimento o proyecto. El final de las cinco páginas mostraba al chico dirigiéndose hacia la oscura casa del científico.
Ese es el Spider-Man que me “dieron”.
Eso es todo sobre la “creación” de Spider-Man de Jack. Eso es lo que “creó”, trajo a la existencia –cinco páginas a lápiz no utilizadas de una historia sin terminar. Existía como una parte, un fragmento, de un todo no desarrollado. La historia, personajes, título, “ideas”, son incompletas, desconocidas. Toda la “idea” de Jack de Spider-Man está inexplicada, inexistente, no creada.
Casi todos los detalles de su “creación” (el científico, anillo mágico, etc.) fueron descartados/nunca utilizados. Así que, ¿qué queda de la “creación original”? Un nombre, un adolescente, una tía y un tío. ¿Ha de creerse/mantener que un nombre o su “idea” podría “provocar” que el originador “crease” una “creación” rechazada y “provocase” que otros “creasen” una completa, aceptada y exitosa? ¿Cómo se logra eso? La carga de probarlo yace en aquellos que reclaman que así es.
La primera aventura completa de Spider-Man, conteniendo el título y la historia, fue publicada en Amazing Fantasy #15, en Agosto de 1962, a partir de la sinopsis de Stan. Con esta historia nuestro método de trabajo fue obviamente más exigente que con las historias de cinco páginas porque las ideas eran mayores. Había más personajes, acción, drama y complejidades. Había personajes recurrentes (principales y secundarios), todos con distintas personalidades, relaciones en marcha, problemas personales y conflictos. Los héroes y villanos tenían varios motivos y poderes para ser explotados. Todo necesitaba consistencia, y el desarrollo y crecimiento debía ser considerado.
Aunque es necesario saber quién hizo la mayor o más importante contribución en cualquier historia publicada, es irrelevante en este contexto.
Lo que es relevante puede verse examinando la primera historia de Spider-Man y comparándola con lo que se sabe del Spider-Man de Jack.
Seguramente no son “creaciones” idénticas.
¿No hay diferencias importantes? ¿Sólo menores, poco importantes? ¿Son las similitudes mayores o menores? ¿Qué elementos esenciales, en ambas, las harían pertenecer a una “idea”, un “creador”?
¿O revela la comparación suficientes diferencias reales para concluir que incluso con el mismo nombre son dos creaciones distintas con diferentes creadores?
¿Qué estándar se podría usar para evaluar y juzgar ambas versiones de una “creación” pertenecientes a un “creador”?
Hay algo de confusión sobre la “primera” portada de Spider-Man. Yo dibujé a lápiz y entinté la primera portada después de entintar la primera historia, la portada (siempre) se hacía al final. Lo que significa que Spider-Man tenía un traje, usado en la historia, el traje de redes que yo hice existir. Luego yo soy su creador y el traje de Spider-Man publicado es mi creación.
Dibujé la primera portada desde un punto de vista subjetivo. Quería poner al lector/observador frente al balanceante Spider-Man, para que fuese parte de la acción, para ver y darse cuenta del peligro de la caída, para tener una sensación de balancearse junto a Spider-Man.
No sé (o recuerdo) por qué Stan rechazó mi portada. Hizo que Jack dibujase una segunda portada para reemplazarla. No sé de quién fue la idea de que el punto de vista del lector/observador estuviera fuera de la acción, desde la multitud, como un espectador observando al héroe balanceándose sobre su cabeza.
Pero antes de que a Jack le pidiesen que dibujara la segunda portada de reemplazo, mi traje de Spider-Man ya existía en la primera historia y la primera portada. Así que, ¿Qué traje de Spider-Man creó Jack?
Yo entinté la portada de Jack. Esta segunda versión se convirtió en la primera portada publicada. ¿Significa eso que el uso de Jack de mi traje es equivalente a “crear” mi traje “primero”? Mi primera portada original ha sido impresa (en Marvelmania #2, 1970, y varios cómics), de modo que existe, como existía mi historia en la que se muestra el traje, antes de que a Jack le pidiesen que dibujase la segunda portada.
Jack tiene derecho a ser acreditado por lo que hizo en la portada (por cualquier cosa que hiciera en cualquier sitio y en cualquier momento). ¿No tengo yo derecho a ser acreditado por lo que hice?
Si no es así, ¿por qué?
Jack dibujó la primera portada publicada de Spider-Man. Creó una escena similar a la mía con un punto de vista diferente al mío y al hacerlo también utilizó el traje creado por mí.
¿Es su portada una “creación”?
¿Es una persona, un “creador”, responsable de los elementos principales?
¿Qué tipo de estándar hay que usar?
Dado que el dibujo de una portada se sabe que es anterior, que viene antes del entintado de la portada, muchos, viendo una portada antes de la primera historia y su dibujo, de algún modo creen que el dibujante de la portada (una posición) es por tanto el “creador” de ella y de lo que sigue, que las siguientes ideas de la historia, la trama, personajes, traje, popularidad, ventas y éxito son también “causadas” y “creadas” por el dibujante (posición). Todo es su “creación”. En realidad él las hizo existir.
¿Pero cómo quienes creen ésto lo explican, prueban y validan?
Ha habido utilizaciones anteriores de la “idea” de la araña en los cómics: Alias the Spider de Paul Gustavson, Tarantula de DC con su pistola de redes, y ciertamente muchos otros héroes, heroínas, villanos y villanas (como, dentro de esta última categoría, la primera Viuda Negra, anterior a Simon o Kirby o Lee). Hubo una serie de novelas pulp sobre Spider, todas antes de cualquier Spider-Man de Kirby o Lee.
¿Es la primera persona que usó la “idea” de la araña, o tema en un cuento o fábula la “causa”, el “creador” de todas las subsecuentes “creaciones” relacionadas con arañas, o la “idea” de la araña (nombre) en historias, novelas, programas de radio, pulps o cómics?
¿Qué hay del concepto de un héroe/nombre, su “idea” o tema? ¿Es cada personaje llamado/denominado héroe, independientemente de cuán diferente sea en traje, poder, etc., “creado” por la primera persona, el “creador” de, quien recoge el primer cuento heroico, fábula o leyenda?
¿O puede el trabajo de otro, usando una “idea” común, tema (héroe, araña, etc.) o incluso el mismo nombre, ser un trabajo original, creado? El trabajo de otro puede tener su propia identidad única consistente en partes específicas (personajes, traje), lugar (emplazamiento), cualidades (poderes y artilugios), disposiciones y relaciones (ideas de la trama) y significado (la visión del hombre, vida, existencia, bien y mal, justicia).
¿Es entonces algo distintivamente nuevo, teniendo una suficiente diferencia mesurable e identificable, a pesar de cualquier base común, para destacar por sí mismo como algo original, una creación? ¿Es Thor el Poderoso una trabajo original creado por Jack el creador? (Antes hizo una historia sobre el matillo de Thor para DC).
Si ello no lo es y él no lo es, habrá una regresión infinita. Cada héroe de cómic (desde Superman hasta Batman) es el resultado de alguna “idea” o “ideas” previas, nombres o palabras, alguna posición previa o “creador” de alguna posición o “creador” previo, hasta el infinito. Significará que no hay diferencias reales, importantes, no hay originalidad, no hay diferencias creativas. ¿Entonces quién, hoy en día, tiene el derecho de reclamar haber “creado” algo o ser un “creador”?
Si el Thor de Marvel es un trabajo de creación válido de Jack, su creación, entonces, ¿por qué no es Spider-Man, de Stan y mío, una trabajo de creación válido, nuestra creación?
¿Puede alguien aceptar las dos vías?
Una creación es realmente una recreación, un redisposición de materiales existentes de una manera nueva, diferente. En los cómics, los materiales son hechos, ficción y elementos fantásticos.
Diez escritores pueden tomar la misma idea y hacer aparecer más de diez diferentes creaciones válidas. Como en la idea: Chico encuentra chica, pierde chica, y consigue recuperar chica. Lo mismo vale para los dibujantes.
Una creación válida de comic-book (personaje, héroe, traje, etc.) es lo que realmente se hace existir, un todo acabado, una creación completa.
El sentido válido de una creación se encuentra en la forma de su existencia como publicación. Thomas Edison es merecidamente honrado por su exitosa bombilla. Sus primeros y repetidos fallos, y aquellos de todos los demás que lo intentaron, experimentaron, lucharon y fallaron, son irrelevantes. El fallo implica que no hay ni creador válido ni creación válida.
Uno no puede realmente esperar que la historia popular o aceptada de los cómics sea mejor, respecto a hechos y verdad, de lo que lo son la historia de las naciones, razas, religiones, ideologías, políticas, negocios, etc. La “verdad” sobre la gente, sus acciones, es en su mayor parte lo que uno quiera creer y acepte, o se oponga la “verdad” de otros o suponga una ventaja o ganancia en beneficio propio. Es más una “verdad” deseada emocionalmente que una verdad probada de hecho o razonada.
Tal vez sea una paradoja.
Temas y problemas recurrentes son creaciones. Son creados, inventados a partir de falsedades y contradicciones aceptadas. Y tienen creadores.
Pero las respuestas, soluciones, no son creaciones, no son creadas, no tienen creadores, sólo reconocedores, identificadores y descubridores.
Una solución es el descubrimiento de una auténtica identificación de hechos relevantes, una relación correcta entre ellos, con gente y actividades, en un evento o contexto dado, que lleva a resolver la contradicción que obstaculiza o arruina una exitosa comprensión o acción. “Una verdad es la identificación de un hecho de la realidad.” (Ayn Rand). Una verdad no se inventa o crea. Se descubre. Los conceptos utilizados (identidad conceptual, identificación) deben corresponderse correctamente con los preceptos, el referente, de lo que existe o sucede –hechos.
Una falsedad debe ser creada, traída a la existencia, por un mal uso de conceptos o la negación de los hechos. Ambas vías contradicen una real auténtica identidad e identificación. Es un intento de “crear”, hacer, lo irreal y hacer que se acepte como “real”, para presentar lo falso como “verdad”.
Por supuesto, uno siempre tiene una elección (libre albedrío). Uno puede corregir cualquier error, fallo o contradicción en cualquier momento o continuar la fantasía “creada”. Pero la fantasía sólo funciona para personajes ficticios en un mundo ficticio.
Tras la marcha de Jack Kirby de Marvel, la compañía decidió convertir en “marca de la casa” el estilo de dibujo de John Romita (y en cierta medida el de John Buscema), un estilo ya establecido en la serie Spider-Man y que contaba con no pocos admiradores. Desde la reentrada en Marvel de John Romita (pasó una larga temporada dibujando romances para DC), la confianza de Stan Lee en el dibujante no dejó de aumentar, convirtiéndose en uno de los pilares de la compañía, prácticamente en su director artístico, y la mano derecha de Lee. Si un dibujante presentaba un trabajo que no convencía a Lee, este le pedía Romita que hablase con el dibujante y le explicase qué era lo que estaba haciendo mal. Ya desde su reentrada en 1965 Romita trabajó como corrector de los lápices de otros autores, y muy a menudo retocaba portadas para dejarlas a gusto de Lee o porque el Comics Code las había rechazado, como en este ejemplo que representó el primer trabajo de Romita en esta nueva y duradera etapa en Marvel, en el que la mano derecha de Kang que había dibujado Kirby era demasiado amenazante para los defensores de la moral. A la derecha, la portada de Avengers #23 (1965), a la izquierda, la versión original, que vio la luz en Marvel Masterworks #27 (1993).
Eso no es todo. Muy a menudo a Romita se le encargaba la tarea de diseñar los trajes de nuevos personajes, e incluso hizo circular por la editorial unos modelos del tipo “viste a tu propio héroe”. Aquí debajo, dos de los mejores diseños de Romita, los dibujos originales para los trajes de Lobezno y Bullseye.
Y por supuesto, Romita era el entintador elegido cuando había que suavizar el estilo demasiado personal de algunos autores, como era el caso de Gil Kane en Spider-Man. Sólo que no era simplemente entintar lo que Romita hacía sobre los lápices de Kane. En el siguiente ejemplo de Amazing Spider-Man #123, el funeral de Gwen Stacy, Romita redibuja prácticamente todas las viñetas de Kane. Juzgad por vosotros mismos si el aspecto de la página mejora o empeora con el cambio.
Con todo este trabajo sobre sus espaldas, no es de extrañar que hubiera algún mes en el que Romita, enfangado en trabajos de diseño y corrección, no firmase ningún cómic de Marvel. Cuenta el propio Romita que cada vez que Martin Goodman, tío político de Stan Lee, jefazo de Marvel y tacaño irredento, se pasaba por las oficinas donde trabajaban los dibujantes, miraba a Romita y preguntaba airado: “¿Por qué tenemos a este tipo con nosotros? ¿Qué hace John Romita?”
Todas las imágenes en blanco y negro están extraídas del libro John Romita… and all that jazz! (TwoMorrows, 2007) de Roy Thomas y Jim Amash.
De nuevo a través de Newsarama, accedemos a un buen puñado de documentos de gran importancia histórica referentes a la creación y derechos de Superman. A continuación, la traducción de una carta de 1976 de Jerry Siegel a su hija Laura. En ella, hace entrega de los guiones originales de Superman creados en 1934 y que en 1938 dieron lugar a la primera historia de Superman, en Action Comics #1. Al final de la carta, los citados guiones. En esta carta, Siegel, probablemente asesorado legalmente, hace una descripción detallada de los documentos que entrega a su hija que puede resultar tediosa pero que demuestra hasta que punto el autor se sentía escarmentado en todo lo que tuviera que ver con los derechos de Superman. El último párrafo, más personal, resulta desolador.
Toda esta documentación y mucha más (300 páginas) referente al último juicio por los derechos de Superman, aquí.
21 de Noviembre, 1976
Querida Laura,
Eres una persona maravillosa y una hija querida, y me has dado mucha felicidad.
Me gustaría poder hacer mucho más por ti. Pero hay algo que puedo y quiero hacer de una vez.
Esta es una carta de transmisión de legado – y con esta carta te presento como regalo, para que hagas con él lo que quieras, lo que creo que es un material valioso.
Seis fotocopias [NdT: no son realmente fotocopias, sino photostats] positivadas de la primera semana de la tira diaria de SUPERMAN, que fue concebida por mí, escrita por mí, y dibujada por Joe Shuster a finales de 1934. Además, seis fotocopias negativas del mismo material. (Ambas reproducciones fotocopiadas del trabajo original de la primera semana de la tira diaria de SUPERMAN fueron realizadas a finales de 1934).
De 1934 en adelante, este material fue enviado por mí a numerosos sindicatos periodísticos y editores, en un intento de alcanzar un trato para la publicación de Superman. Cuando en 1936 se hizo un trato para publicar Superman en la nueva revista ACTION COMICS, prácticamente todos los dibujos originales de los que se hicieron estas fotocopias fueron recortados y pegados en páginas de comic book, con pequeñas alteraciones (algunas viñetas recortadas, otras agrandadas ligeramente). Unas pocas de las viñetas de estas fotocopias nunca fueron publicadas… en la primera tira diaria, creo que la primera viñeta fue redibujada y se insertaron el título y leyenda; creo que la viñeta 3 de esa tira fue redibujada, y creo que la última viñeta de esa tira pudo haber sido redibujada.
Esa primera semana de fotocopias de tiras diarias de SUPERMAN fue enviada a mercados potenciales con dos manuscritos originales que yo escribí. Afortunadamente, las páginas originales mecanografiadas de esos dos raros manuscritos de SUPERMAN todavía existen, y aquí te los presento, además de las fotocopias más arriba descritas.
El primer manuscrito “SUPERMAN (sinopsis)”, de 3 páginas, contiene una descripción de “(entregas para la segunda semana)”. La historia del manuscrito continúa donde acababan las primeras seis tiras dibujadas de SUPERMAN. El manuscrito contiene una descripción detallada de lo que contendrían la segunda semana de tiras diarias de Superman propuestas… las tiras diarias 7, 8, 9, 10, 11 y 12. Contiene no sólo descripciones detalladas, sino también algunos diálogos. Las tiras diarias de SUPERMAN dibujadas, aquí descritas, se recortaron más tarde, se pegaron en páginas y se reprodujeron junto a las de la primera semana en ACTION COMICS Nº 1, el número de Junio de 1938.
El segundo manuscrito “SUPERMAN (sinopsis)”, de 4 páginas, contiene una descripción de (“Entregas para semanas 3 y 4”). La historia del manuscrito contininúa donde terminaba la segunda semana del primer manuscrito. El manuscrito contiene una descripción detallada de lo que las semanas 3 y 4 de la tira diaria contenían. Describe la semana 3, tiras diarias 13, 14, 15, 16, 17 y 18, Y describe la semana 4, tiras diarias 19, 20, 21, 22, 23 y 24. De nuevo, tanto descripciones como algo de diálogo están en el manuscrito. Esta sinopsis manuscrita describe exactamente lo que aparecía en la 3ª y 4ª semanas de la tira diaria de SUPERMAN. Las tiras diarias de SUPERMAN, aquí descritas, fueron después recortadas, pegadas en páginas y reproducidas junto a los dibujos de las tiras diarias de las semanas uno y dos en ACTION COMICS Nº1, Junio de 1938. En la página cuatro de este segundo manuscrito hay algo de material que escribí en el que describía por qué pensaba que Superman se convertiría en un gran éxito “seguro que se convertirá en el ídolo de jóvenes y mayores”.
El dibujo de las tiras diarias de Superman para las semanas 2, 3 y 4 se realizó después de que yo escribiera el guión detallado basado en estas dos sinopsis manuscritas.
Este material es la concepción inicial del cómic SUPERMAN, tal y como yo lo concebí y escribí. Fue en este material, creado por mí a finales de 1934 (este concepto no fue publicado hasta Junio de 1938, en ACTION COMICS Nº 1) –la versión que se publicó- donde Superman emergió para convertirse un uno de los más exitosos personajes de ficción de todos los tiempos.
La mayoría de creadores de propiedades literarias de éxito dejan legados valiosos a sus herederos. Lamento que debido a mi inexperiencia esto no sea cierto en tu caso. Pero me siento contento de que este material original en el que Superman se creó inicialmente haya sobrevivido a lo largo de los años, y te lo entrego, mi querida hija Laura, con la esperanza de que algún día seas capaz de comerciar con él por todo su valor y lograr algún beneficio material de ser la hija del creador de Superman.
Con amor, de tu padre…
Jerry Siegel
Última carta de la serie. El tono de esta carta demuestra que las relaciones entre Jerry Siegel y DC ya son claramente nefastas. En este mismo años, 1947, los autores reclamarían legalmente la propiedad de Superman y Superboy, obteniéndo estos últimos y siendo despedidos posteriormente de la compañía.
3 de Febrero, 1947
Querido Mr. Siegel:
Mi razón para no responder antes su carta del 23 de Enero es que quería tomarme tiempo para deliberar. Cuando recibí esa carta me sentí, francamente, extremadamente enfadado por su tono y la manera insultante en que estaba escrita. Iba a responder inmediatamente, pero tras pensármelo decidí esperar hasta que el impacto inicial hubiera pasado y así poder escribirle en frío. Sin embargo, sus cartas casi diarias tras aquella aparentemente estaban pensadas para mantenerme tan enfadado como fuera posible, ya que continuaban en el mismo tono. Además, sus apreciaciones sarcásticas acerca de mí en cartas dirigidas a Whit Ellsworth ciertamente no estaban pensadas para aplacarme.
Me gustaría dejar constancia ahora de lo molesto del tono y el contenido de sus recientes cartas. He intentado ser razonable ante su irracionalidad, sólo para ser bombardeado con sarcasmo e insultos. Cuando volvió del Ejército, consideré que podría llevarle algo de tiempo reajustarse, y fui considerado con la situación. Mantuve varias conversaciones con usted, le di sinceramente la bienvenida y hablamos sobre la renovación de su contrato a punto de expirar. Expresé el deseo de que mantuviésemos una asociación duradera. Parecimos estar completamente de acuerdo y en armonía, pero tras regresar a su casa, sus cartas comenzaron a indicar un cambio de actitud.
Se quejó sobre la supervisión editorial, y sobre Weisinger y Schiff. Con el deseo de ser lo más cooperativo posible y deseando contentarle, designamos a Boltinoff para trabajar con usted. Pero, tan pronto como Boltinoff tuvo ocasión de criticar una de sus sinopsis, a usted ya no le gustó. Usted antes ya había abandonado la política de sentarse con el equipo editorial para discutir las historias –una política que reporta aceptaciones y una producción equilibrada. Usted declara en una carta que nuestros editores “pueden ayudar enormemente concediendo que sé más que ellos sobre Superman, y dejando de rechazar toda mi producción”. Parece olvidar que esos hombres son editores capaces, que su interés es producir revistas bien equilibradas que vendan, y que han sido capaces de hacerlo con una larga lista de revistas –incluyendo incluso muchas revistas de Superman y Action Comics con los que usted no tiene nada que ver. En conexión con esto, podría también señalarse que se le pagó por un material que no escribió mientras estuvo en el Ejército (una situación, por cierto, que se mantiene hoy en día) y se le envió sin que lo hubiera solicitado un cheque por la cantidad de 6.000$ al final de 1945 –un cheque del que parece no tener conocimiento, a pesar de que lo cobrase.
Las ventas de las revistas se han incrementado. El hecho de que los ingresos debidos a Superman a través del sindicato hayan caído mientras usted no estaba escribiéndolo, puede no deberse totalmente o siquiera en parte a pobres guiones, sino a cualquiera de muchos otros factores: (1) El volumen de negocio del sindicato durante la guerra se paralizó. (2) La falta de papel de periódico y consecuente falta de espacio causó la cancelación de muchas secciones, incluyendo cómics. (3) El Sindicato McClure no realizó ventas durante la guerra. En realidad, debido a condiciones internas en el sindicato, ha habido poco esfuerzo en vender durante varios años.
En su carta del 27 de Enero declara que se siente preocupado por que se nos relacione con su serie Funnyman y cita nuestros precedentes en lo que llama “fracasos”. El hecho de que Batman y Wonder Woman no prosperasen como series en el periódico no disminuye su valor para nosotros. En lo que a mí concierne, son tan valiosas en cualquier momento como Superman, y mucho menos problemáticas. También se le debe recordar que en este momento National Comics no recibe ningún ingreso de la tira sindicada de Superman, ya que todos los ingresos van a usted y Shuster; de hecho, nosotros absorbemos los gastos editoriales de mantenimiento de derechos y pagamos por la rotulación y el coloreado de la serie.
Nunca indiqué que aceptaríamos su serie Funnyman, pero dado que su ego le indica que cualquier cosa que haga está predestinada al éxito, estaría interesado, sólo para que conste, en tener su nombre en una serie –distinta de Superman- de las muchas que ha desarrollado que haya gozado al menos de un moderado éxito.
Mi modo de decidir la aceptación o rechazo de Funnyman estuvo dictado por su insistencia en una carta formal enviada por usted y Shuster. En realidad, no me sorprendió descubrir que Shuster no estaba conectado con el proyecto de ninguna forma, dado que usted me había dicho en una conversación previa que él no tenía nada que ver con esto. Me parece que habría sido mucho mejor haber manejado el asunto de una manera abierta y sin secretos –aunque eso supusiese decirme, si ese era su deseo, que preferiría llevar la serie a otro sitio. Pudiera ser que no quisiera continuar su relación con nosotros más allá de los términos de su presente contrato; su carta del 25 de Enero fácilmente podría haberse interpretado de ese modo. En cualquier caso, agradecería una declaración por su parte en sencillo inglés sobre lo que quería decir esa carta. No tengo ni el tiempo ni el deseo de permitirme banales juegos de adivinación.
Una posdata en su carta del 25 de Enero dice: “¿Por qué quiere considerar legalmente Funnyman? ¿Por qué no TOMARLA descaradamente, como hizo con Superboy?” Es una actitud muy seria por su parte, por no decir insultante y posiblemente difamatoria. Superboy es meramente una extensión del tema básico de Superman, y tiene que ver con el mismo personaje a una edad más temprana, un período entre el momento en que el infante de Kripton llegó a la Tierra y el momento en el que ha crecido para convertirse en un hombre. Los poderes, el traje y los atributos físicos son idénticos a los de Superman porque Superboy es Superman, quien, según los términos de nuestro contrato con usted y Shuster, es propiedad de National Comics Publications, Inc. Al igual que cualquier otro personaje, principal o secundario, que aparece en Superman, es propiedad de National Comics.
Su ardiente deseo de aceptar más tareas como guionista parece de algún modo incompatible con el hecho de que usted nos ha proporcionado sólo aproximadamente un tercio del número de guiones de Superman necesarios para nuestros requerimientos de publicación regular. ¿Se debe esto tal vez a que, a pesar de hayamos tenido que comprar dos tercios de nuestros requerimientos a otros guionistas, se le pagó una considerable suma por guiones que no escribió usted?
Adjunto un cheque por la cantidad de 1.534,78$ junto con un recibo, que representa su mitad del porcentaje debido a usted y a Shuster por los beneficios radiofónicos y de licencia de Superman. Este cheque hace que sus ganancias en 1946 sumen un total de 25.465,07$.
Sobre el tema de un bonus, su actitud no me compele enormemente a hacer de tales regalos una política. Por tanto dejo la cuestión abierta hasta que Mr. Donenfeld vuelva a New York, lo que debería suceder hacia finales de Febrero. Entonces discutiré con él esta y otras cuestiones referentes a usted.
Mientras tanto, agradecería que me escribiese sólo por motivos de trabajo, y de una manera profesional.
Muy sinceramente suyo,
J. S. Liebowitz
Vicepresidente
Correspondencia previa
28 de Septiembre, 1938. Liebowitz a Siegel
30 de Septiembre, 1938. Siegel a Liebowitz
21 de Abril, 1939. Liebowitz a Siegel
22 de Enero, 1940. Ellsworth a Siegel
23 de Enero, 1940. Liebowitz a Siegel
29 de Enero, 1940. Liebowitz a Siegel
8 de Febrero, 1940. Liebowitz a Siegel
18 de Marzo, 1940. Ellsworth a Siegel
2 de Mayo, 1940. Liebowitz a Siegel
4 de Noviembre, 1940. Ellsworth a Siegel
5 de Noviembre, 1940. Ellsworth a Siegel
19 de Febrero, 1941. Ellsworth a Siegel
21 de Febrero. 1942. Ellsworth a Siegel
12 de Noviembre, 1942. Ellsworth a Siegel
Otra carta de Whit Ellsworth a Jerry Siegel. Estados Unidos ya se ha involucrado en la II Guerra Mundial y la amenaza de reclutamiento sobrevuela la cabeza de los autores. De hecho, Siegel sería reclutado a principios de 1943. Los editores de DC siguen buscando a otros autores que puedan hacerse cargo de los cómics de Superman, y en esta carta se cita a Winsor McCay Jr, Sam Citron (cuya primera historia dibujada se publicaría en Superman #23 con fecha de Julio de 1943) y Komissarow, de quien no hemos encontrado referencias. La web Who Drew Superman? ofrece un amplio estudio sobre los distintos artistas que colaboraron con Shuster o lo sustituyeron en las disitintas series de Superman.
12 de Noviembre, 1942
Un día más cerca de la victoria
Querido Jerry:
En otro sobre te devolvemos las muestras de dibujo que nos enviaste. Diría que el hombre cuyas muestras está marcadas como “A” es el único que podría trabajar para ti –y sólo si lo supervisas cuidadosamente. El hombre cuyo trabajo está marcado como “F” hace unos lápices bastante buenos, pero su técnica de entintado es realmente mala. Si sólo necesitases dibujo a lápiz, podría estar bien.
Hoy he contratado a Winsor McCay Jr., cuyo trabajo probablemente recordarás como seguidor de los pasos de su padre en Little Nemo. Curiosamente, su material ilustrativo es bastante bueno e incluso parece un poco que podría funcionar en Superman. Vamos a hacerle empezar aquí durante un tiempo y veremos cómo funciona, después de lo cual podríamos arreglarlo para que tú lo subcontates.
También tengo en mente hacer que [Sam] Citron y Komisarow hagan historias completas de Superman a partir de tus guiones. Son los chicos que están haciendo Robotman y todo el ghosting [NdT: Trabajo como “negros”] en Leading Comics. Creo que pueden hacerse cargo de Superman. Tú, por supuesto, proporcionarías los guiones y serías pagado por ellos según la misma tarifa del trabajo que haces ahora con Joe, y a Joe se le daría la diferencia entre lo que cobra normalmente y lo que tendríamos que pagar a Citron y Komisarow. Esto nos permitiría, si decidimos hacerlo, tener algo de material acumulado de Superman, lo que estoy seguro de que haría sentirse cómodos a todos los implicados.
¿Podrías hacerme saber, por favor, tu parecer sobre todo esto?
Mis mejores deseos para todos.
Sinceramente,
F. W. Ellsworth
Correspondencia previa
28 de Septiembre, 1938. Liebowitz a Siegel
30 de Septiembre, 1938. Siegel a Liebowitz
21 de Abril, 1939. Liebowitz a Siegel
22 de Enero, 1940. Ellsworth a Siegel
23 de Enero, 1940. Liebowitz a Siegel
29 de Enero, 1940. Liebowitz a Siegel
8 de Febrero, 1940. Liebowitz a Siegel
18 de Marzo, 1940. Ellsworth a Siegel
2 de Mayo, 1940. Liebowitz a Siegel
4 de Noviembre, 1940. Ellsworth a Siegel
5 de Noviembre, 1940. Ellsworth a Siegel
19 de Febrero, 1941. Ellsworth a Siegel
21 de Febrero. 1942. Ellsworth a Siegel
Las anteriores cartas de Jack Liebowitz venían encabezadas con el membrete de Detective Comics. Las de Whitney Ellsworth, que no mostraban encabezamiento alguno, a partir de esta fecha vienen encabezadas con el logotipo de Superman, Inc.
Sábado, 21 de Febrero [Aunque no se indica, el año es 1942]
Querido Jerry:
Esta mañana ha llegado una serie de tiras diarias. Si hubiera suficiente tiempo, ciertamente te las devolvería para que las trabajases más; en esta situación, simplemente haré que uno de los artistas de aquí trabaje algo en ellas antes de enviarlas al sindicato. Estoy particularmente disgustado porque te escribí acerca de los mismos problemas tras recibir la anterior serie. Parece que es imposible que las revises antes de enviarlas; o eso, o eres muy complaciente con el tipo que inventaste, Superman parece una persona distinta casi en cada dibujo, y peor en cada uno de ellos. Incluso si detalles como manos mal dibujadas, malas figuras y mala acción se pasan ligeramente, no podemos dejar de lado el hecho de que la cara de Superman es increíblemente mala en más del cincuenta por ciento de sus interpretaciones. Te he escrito repetidamente sobre la manera en que se dibujan sus calzoncillos, y no se ha hecho absolutamente nada al respecto. No tengo quejas sobre los fondos, que están muy bien realizados, pero tal vez se está prestando más atención a los fondos que a las figuras. En general, la triste verdad es que después de todos estos años, Superman no se destaca por su buen dibujo ni en las revistas ni en el material sindicado. Esto también es muy descorazonador. Y está llegando el punto en el que creo que si al menos el material sindicado no muestra una marcada mejora, tendremos que considerarlo “inaceptable” y considerar otros acuerdos para que se haga.
Además, también noto que no se están haciendo ciertos cambios editoriales en las tiras diarias.
En conjunto, la situación es lo suficientemente seria para garantizar que os preocupéis de veras.
Whit
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28 de Septiembre, 1938. Liebowitz a Siegel
30 de Septiembre, 1938. Siegel a Liebowitz
21 de Abril, 1939. Liebowitz a Siegel
22 de Enero, 1940. Ellsworth a Siegel
23 de Enero, 1940. Liebowitz a Siegel
29 de Enero, 1940. Liebowitz a Siegel
8 de Febrero, 1940. Liebowitz a Siegel
18 de Marzo, 1940. Ellsworth a Siegel
2 de Mayo, 1940. Liebowitz a Siegel
4 de Noviembre, 1940. Ellsworth a Siegel
5 de Noviembre, 1940. Ellsworth a Siegel
19 de Febrero, 1941. Ellsworth a Siegel
Impagable carta de Whitney Ellsworth a Jerry Siegel en la pone en entredicho el modo en que Joe Shuster y su equipo representan a Lois Lane en las historias de Superman. Parece embarazada, demasiado pecho, es demasiado sexy, tiene aspecto de bruja y está mal vestida, según los criterios artísticos de los responsables de DC.
Antes de que sigáis adelante con la lectura de la carta, dos enlaces recomendados: Pepo Pérez hace aquí un repaso de las influencias cinematográficas que sirvieron para inspirar a sus autores el personaje de Superman (repaso que extiende a Batman) y Pedro de Un Tebeo con Otro Nombre recorre vida y obra de los creadores de Superman en (hasta ahora) dos artículos muy interesantes.
19 de Febrero, 1941
Querido Jerry:
Acabamos de recibir una historia para la revista y un puñado de tiras diarias. Murray y yo hemos revisado el material para la revista y hemos encontrado que no se ha hecho un gran esfuerzo por mejorar a Lois. El peinado ahuecado sigue siendo el mismo del que ya nos quejamos. Y el por qué es necesario sombrear los pechos de Lois y la parte inferior de su tripa con líneas verticales es algo que no podemos entender. Parece embarazada. Murray sugiere que te las arregles para que tenga un aborto de modo que su figura vuelva a ser más parecida al plato delicioso que se supone que es. Es demasiado compacta y demasiado, demasiado desagradablemente sexy. Por favor, llama la atención de Joe y sus amigos sobre el hecho de que los mejores artistas en este campo dibujan a sus heroínas más o menos siguiendo una determinada fórmula que las hace parecer deseables y monas. Lo consiguen haciendo el pelo bonitamente dibujado en lugar de hacer que parezca un nido de ratas. Además, hacen la cara bonita –y tratan de dibujarla igual cada vez. Además, dibujando los hombros más anchos que las caderas dan a la chica una calidad grácil que se pierde cuando el acento se pone en las caderas. También, la línea de la cadera se dibuja más alta de lo que sería en la vida real, y las piernas son más largas y delgadas. Generalmente no se intenta demostrar pictóricamente que la tripa femenina tiene cierta redondez, a no ser que esté confinada en un cinturón, y tampoco los pechos arrojan tremendas sombras en virtud a su calidad sobresaliente. Aunque las damas en Smilin’ Jack pueden ser muy apetitosas y excitantes, ciertamente no las apruebo para publicaciones como las nuestras. Sabes tan bien como yo contra que tipo de censura nos enfrentamos siempre, y lo cuidadosos que debemos ser.
No tengo pretensiones de ser artista, pero soy un crítico buenísimo (como seguro que estás de acuerdo). Aquí tienes más o menos mi idea de qué proporciones deberían mantenerse para dibujar a una heroína. Lo que me gustaría es ver a Lois dibujada como la chica agradable y capaz que sabemos que es.
Whit
Desde que he escrito la primera página, Mr. Jack Liebowitz ha visto los dibujos en cuestión y está muy insatisfecho con Lois. Dice que además de hacer que Lois parezca una bruja, parece que la habéis vestido usando el catálogo de Montgomery Ward. Sugiere Vogue, Vanity Fair y Harper’s Bazaar como mejores lugares donde documentarse sobre vestidos.
Esta última historia se os ha devuelto por correo aéreo urgente. No la hemos marcado, porque debería ser obvio que Lois necesita atención prácticamente en todos los casos.
Tú o Joe –si no ambos, deberíais daros cuenta tanto como nosotros de que la chica no se está haciendo bien, y que debería.
Sugeriría que donde se usan paste-overs [fragmentos de dibujo recortados y pegados sobre la página], los artistas usen papel grueso en lugar de Bristol Board, porque el Bristol provoca sombras en los bordes. Aunque parezca que los dibujos se transparentan a través del papel grueso, no se fotografían.
Saludos,
Whit
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28 de Septiembre, 1938. Liebowitz a Siegel
30 de Septiembre, 1938. Siegel a Liebowitz
21 de Abril, 1939. Liebowitz a Siegel
22 de Enero, 1940. Ellsworth a Siegel
23 de Enero, 1940. Liebowitz a Siegel
29 de Enero, 1940. Liebowitz a Siegel
8 de Febrero, 1940. Liebowitz a Siegel
18 de Marzo, 1940. Ellsworth a Siegel
2 de Mayo, 1940. Liebowitz a Siegel
4 de Noviembre, 1940. Ellsworth a Siegel
5 de Noviembre, 1940. Ellsworth a Siegel
Whit Ellsworth continúa leyendo a cartilla a Jerry Siegel en esta carta, fechada un día después de la anterior.
5 de Noviembre, 1940
Querido Jerry:
Aquí te devuelvo tu último guión de 26 páginas. He hablado sobre él con Jack y ambos creemos que no hay nada suficientemente importante en la historia que justifique esa extensión. Como política, preferiríamos atenernos a cuatro historias de 13 páginas en cada número del Superman bimestral. Hace que los chicos piensen que están obteniendo más por su dinero, y también hace posible intercalar anuncios y otras páginas del estilo entre historias de Superman. Sugeriría que tomases ese guión y lo reescribieses como una historia de 13 páginas, que en cualquier caso lo mejoraría considerablemente.
Esta mañana con el correo han llegado otra página dominical y un grupo de tiras diarias. Es completamente ridículo escribir guiones, enviármelos, e inmediatamente empezar con el dibujo antes de que yo haya tenido oportunidad de devolverte el guión. Es simplemente una pérdida de mi tiempo, que, lo creas o no, es algo valioso. Uno de estos días vamos a rechazar toda una historia de tiras diarias o dominicales después de que la hayáis dibujado –lo que os costará dinero. Francamente, estamos tan hartos y cansados del modo en que se está llevando a cabo toda la serie que creemos que vamos a tener que hacer algo particularmente drástico al respecto, como te dije ayer. Desde la posición del tipo que se supone que es responsable de llevar el peso editorial del negocio, he estado en una posición nada envidiable durante bastante tiempo en lo que respecta a Superman. Nunca vas lo suficientemente avanzado con el guión para que sea posible esperar a la aprobación editorial antes de que el dibujante empiece a trabajar, a pesar del hecho de que hemos tenido considerables problemas y gastos para comprar sinopsis para ti. De hecho, ni siquiera me has hecho cuáles de los argumentos enviados vas a usar, aunque te he pedido esa información al menos dos veces.
Además, el trabajo artístico que ha estado llegando es poco menos que atroz, aunque casi en cada carta que nos escribes hablas de unas tremendas ventas del material. ¿Quieres hacernos creer que el material es realmente bueno, o tú y Joe creéis honestamente que ES bueno? Olvidando todo lo demás, ¿tú o Joe creéis que las ventas de Superman se deben al Superman que vosotros visualizáis? Echa una ojeada a la fotocopia que incluyo de una viñeta que tuve que redibujar recientemente antes de enviarla al impresor. ¿ES ÉSTE SUPERMAN? Para mí es de veras embarazoso que este tipo de material salga de nuestra factoría conmigo como editor.
Hay que hacer algo, y pronto.
Sinceramente,
Whit Ellsworth
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28 de Septiembre, 1938. Liebowitz a Siegel
30 de Septiembre, 1938. Siegel a Liebowitz
21 de Abril, 1939. Liebowitz a Siegel
22 de Enero, 1940. Ellsworth a Siegel
23 de Enero, 1940. Liebowitz a Siegel
29 de Enero, 1940. Liebowitz a Siegel
8 de Febrero, 1940. Liebowitz a Siegel
18 de Marzo, 1940. Ellsworth a Siegel
2 de Mayo, 1940. Liebowitz a Siegel
4 de Noviembre, 1940. Ellsworth a Siegel
Whitney Ellsworth escribe otra carta cargada de críticas a Jerry Siegel, donde menciona ya su disgusto acerca del modo en que se dibuja a Lois Lane, demasiado “sexual”.
4 de Noviembre, 1940
Querido Jerry:
Aquí te devuelvo los guiones para las tiras diarias, la primera semana de las cuales han llegado dibujadas hoy. En el futuro, déjame decir de nuevo, por favor haz que los guiones lleguen con la suficiente antelación como para que podamos realizar las labores editoriales antes de que los dibujantes se pongan a trabajar.
El trabajo tanto en las tiras diarias como en las páginas dominicales era de nuevo bastante malo, en los mismos términos de mis recientes quejas a Joe. Tuve que emplear todo el día, con mi mediocre talento, en intentar acortar algunos brazos simiescos y en eliminar algunos mechones extremadamente rizados en la frente de Superman, y en hacer a Lois más asexual. Todo lo que puedo decir es que me gustaría saber si tú y Joe estáis satisfechos con la calidad del dibujo que nos enviáis.
Las historias de la revista son incluso peores que cualquier cosa que tenga que decir sobre el trabajo sindicado. Incluso la historia de 26 páginas que te llevaste para corregir sigue pareciendo bastante mala.
Devolvemos las dos portadas para Action Comics ya que no son para nada adecuadas desde el punto de vista de la idea ni de la ejecución. En el futuro, como hemos pedido en el pasado, por favor déjanos ver bocetos antes de hacer las portadas.
Sobre la serie para la revista, no dibujéis nada de esa historia de 26 páginas. Todavía estoy revisándola, pero hasta ahora no he encontrado nada que indique que merece tantas páginas.
En líneas generales, Jack Liebowitz y yo estamos muy decepcionados con el dibujo, y ambos creemos que debe hacerse algo drástico pronto. Es posible que se nos ocurra algo esta semana o la próxima, si la presión del trabajo lo permite.
A pesar de todo, mis mejores deseos.
Whitney Ellsworth
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23 de Enero, 1940. Liebowitz a Siegel
29 de Enero, 1940. Liebowitz a Siegel
8 de Febrero, 1940. Liebowitz a Siegel
18 de Marzo, 1940. Ellsworth a Siegel
2 de Mayo, 1940. Liebowitz a Siegel
Vuelve a la carga Whitney Ellsworth con una carta corta pero sin concesiones.
18 de Marzo, 1940
Querido Jerry:
Adjunto aquí está tu guión para las páginas dominicales de Superman.
El último grupo de tiras diarias, así como las últimas dominicales que nos mandaste, no eran completamente satisfactorias. Déjame recordarte de nuevo que debes vigilar ininterrumpidamente el trabajo de los artistas que están realizando el trabajo. Algunas de las figuras son absolutamente grotescas y restan mérito al tono del trabajo global. No sabemos si simplemente es cuestión de que tus artistas no son suficientemente buenos o si no se les haces hacer su mejor trabajo. Por ejemplo, la historia que hiciste para la revista Look fue bastante buena. Entiendo que fue hecha por Boring y lo que no puedo entender es por qué no puede mantener el mismo nivel con nosotros. Lo que debería ser tu objetivo, Jerry, es conseguir que todo el material parezca hecho por Joe.
Hace tiempo sugerí que sería bueno usar ese papel Benday para tus tiras diarias. Permíteme repetir que sería una muy buena idea, porque daría a tu material ese color que tanto necesita ahora mismo.
Saludos a ti y a Joe,
Sinceramente,
Whitney Ellsworth
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28 de Septiembre, 1938. Liebowitz a Siegel
30 de Septiembre, 1938. Siegel a Liebowitz
21 de Abril, 1939. Liebowitz a Siegel
22 de Enero, 1940. Ellsworth a Siegel
23 de Enero, 1940. Liebowitz a Siegel
29 de Enero, 1940. Liebowitz a Siegel
8 de Febrero, 1940. Liebowitz a Siegel
En esta ocasión y para variar, Jack Liebowitz escribe una carta bastante conciliadora a Jerry Siegel. Se menciona a Paul Henry Cassidy, primer “negro” en la serie de Superman y acreditado como quien añadió la “S” a la capa del héroe.
8 de Febrero, 1940
Querido Jerry:
Espero que todo esté ahora en orden con [Paul] Cassidy y [Wayne] Boring trabajando. También que hayas olvidado nuestro desagradable episodio de la semana pasada. De ahora en adelante espero que sólo tengamos que escribirnos cosas agradables mutuamente.
Incluyo una copia de una carta que McClure recibió del New York Post, que es autoexplicativa. Mucha más gente ha criticado lo mismo últimamente. Esta misma mañana, Mr. Waldo me ha llamado acerca del mismo tema. Es muy importante que Joe haga la figura completa de Superman ya que parece que no hay nadie capaz de copiar su estilo y la expresión facial de Superman. Espero que te encargues de que esto se haga y de que la calidad del resto de la serie mejore constantemente.
Me gusta el presente acuerdo sobre la edición de la tira y creo que a ti también, dado que nos da la oportunidad de encontrar cualquier error. Whit conoce su trabajo y está muy ansioso por trabajar con vosotros. Sin embargo, estamos teniendo problemas y retrasos en vuestras otras series. Por ejemplo, el hombre que dibuja la serie The Spy lleva una semana entera de retraso. Generalmente ya es bastante lento, retrasarlo otra semana congela la producción de nuestra revista. Deberíais tratar de sacar el trabajo adelante.
También he recibido una carta del sindicato en la que insisten en que os pongáis al día con la tira diaria y la página dominical, ya que les está causando muchos gastos y retrasos. Creo, sin embargo, que a partir de ahora estas condiciones serán remediadas.
Con mis más afectuosos saludos a todos, sinceramente tuyo,
J. S. Liebowitz
PS: El sindicato acaba de llamar diciendo que han recibido un contrato de un periódico de California. Quieren empezar sobre Mayo, y el sindicato está ansioso por saber cuánto durará el argumento actual de la tira diaria –también la página dominical. Ya te he pedido antes que me dieras esta información. ¿Serías tan amable de hacérmelo saber por carta?
Correspondencia previa
28 de Septiembre, 1938. Liebowitz a Siegel
30 de Septiembre, 1938. Siegel a Liebowitz
21 de Abril, 1939. Liebowitz a Siegel
22 de Enero, 1940. Ellsworth a Siegel
23 de Enero, 1940. Liebowitz a Siegel
29 de Enero, 1940. Liebowitz a Siegel
Continúa la correspondencia entre Jack Liebowitz y Jerry Siegel. Wayne Boring se gana la confianza del jefe y comienzan los tratos para seriales radiofónicos. Siegel y Shuster siguen retrasándose en las entregas y comienzan a recibir argumentos para elaborar.
29 de Enero, 1940
Querido Jerry:
Mirando las tiras diarias de Boring, debo decir que hay una decidida mejora. Si la calidad se mantiene, me siento inclinado a creer que no tendremos que preocuparnos por el dibujo. Trabajar junto a Joe, creo, producirá la calidad necesaria.
He recibido la página dominical y he observado un error en la continuidad. Veo que dices que un hemofílico es una persona con falta de sangre. Si consultas el diccionario, verás que la definición de hemofilia es una tendencia a sangrar profusamente incluso de las heridas más leves. Ya hemos notificado a McClure que haga el cambio.
Desearía que me hicieras saber cuándo durará la actual aventura de la página dominical. Por lo que he visto de esta historia, no es muy buena. ¿Está escrita la siguiente aventura para las páginas dominicales? Si es así, por favor mándame una copia inmediatamente para que podamos hacer los cambios necesarios.
Adjunto una copia de una carta del St. Louis Dispatch, que es autoexplicativa. Debo informarte de que en este momento parece haber un movimiento generalizado contra las películas y comic-books, con grupos de padres de alumnos y clubs femeninos alegando que son dañinos para los niños. Sé que hay objeciones firmes contra los seriales televisivos de Dick Tracy. Debemos enfocar nuestra política editorial a obtener la aprobación de los padres sin sacrificar la aventura y el misterio que Superman siempre ha aportado a los niños.
También adjunto una sinopsis que creemos que es adecuada para una historia de Superman. Después de leerla estoy seguro de que podrás elaborar acción detallada donde sea necesario. Tan pronto como hayas terminado de hacer el borrador o escribir el guión detallado por viñetas para esta historia, nos gustaría tenerla antes de que comience el trabajo. Dime lo que te parece esta sinopsis.
Acabo de recibir la primera historia de Superman que estará incluida en el número de Mayo de Action. Tengo que tener al menos otra más antes de que termine el mes, que es dentro de sólo dos días. De tus prometidas cinco historias al mes, me he quedado en una. Para haber fallado de tan mala manera, ciertamente eres un Superman a la inversa. Ahora ponte con esas historias para la revista, y al final del mes próximo tengo que tener cinco para no retrasarme en el Superman trimestral.
(…)
El pasado sábado firmamos con Becker Products para un programa de radio. La primera emisión será el 12 de Febrero de 5:15 a 5:30. La emisora de Ney York es WOR y WCN en Buffalo. Estas estaciones son las más cercanas a Cleveland. Sólo hay 10 repetidores para cubrir las emisoras de New England y como te he escrito antes, el coste de producir el programa y la cantidad que recibimos de ellos arroja unas pérdidas netas de unos 700$ a la semana sin contar los gastos de propiedad. Sin embargo, si el programa es bueno, podemos ser capaces de venderlo a otras emisoras y patrocinadores.
Te hemos demostrado que somos una organización potente y que te haremos llegar lejos, siempre que cooperes elaborando tu material a tiempo y logrando la mejor calidad posible en las historias.
Recuerdos a Joe y dile que me escriba unas líneas.
Muy sinceramente tuyo,
J. S. Liebowitz
Correspondencia previa
28 de Septiembre, 1938. Liebowitz a Siegel
30 de Septiembre, 1938. Siegel a Liebowitz
21 de Abril, 1939. Liebowitz a Siegel
22 de Enero, 1940. Ellsworth a Siegel
23 de Enero, 1940. Liebowitz a Siegel
Más correspondencia entre la editorial de Superman y sus autores. A Jack Liebowitz no le hace ninguna gracia que Siegel y Shuster concedan entrevistas a los periódicos sin su aprobación, y menos aún que no mencionen lo “ventajoso” de su trato con la editorial. Wayne Boring es mencionado como negro de Shuster y se hace hicapie en la necesidad de que todo el material pase por las oficinas de la editorial para su aprobación.
23 de Enero, 1940
Querido Jerry:
He recibido tu última carta, en la que incluías un recorte del Plain Dealer. Puedo imaginar lo orgullosos que tú y Joe os habréis sentido de veros en la prensa de vuestra ciudad natal.
En esta entrevista parece que ha habido un montón de errores. Uno en particular ser refiere a la manufactura de jerséis y emblemas de Superman. Además, una observación sobre películas y radio. En la propuesta para la radio, esperamos firmar un día de estos con Hecker Flour Co. –nosotros pagamos el coste de producción del programa y ellos pagan por emisora. El resultado de esta transacción nos reportará una pérdida de 600$ por semana, así que ahora mismo no es algo de lo que vanagloriarse. Nuestro trabajo, para salir de este agujero, será vender a otras emisoras las grabaciones que hacemos de la emisión original. Esto no pasará hasta dentro de mucho tiempo, dependiendo por supuesto de si el programa tiene éxito.
También planeamos emprender varias licencias. En este sentido, tenemos que organizar un departamento de publicidad que maneje toda la información relacionada con Superman. Por tanto es importante que no concedáis más entrevistas. Podíais haber mencionado en vuestra entrevista que los primeros que vieron algo en la serie de Superman fueron Detective Comics, Inc., que compraron todos los derechos de la misma. También podíais haber dicho que tenéis un acuerdo muy satisfactorio con Detective Comics, Inc. como compensación por la transferencia de todos vuestros derechos, así que de ahora en adelante os prohibimos conceder ninguna entrevista relacionada con Superman y su desarrollo. Por favor, enviad todas las peticiones a nuestra oficina. Podéis imaginar fácilmente el daño que se puede producir si las cosas no se manejan desde una misma fuente central y si se realizan declaraciones contradictorias.
Veo que eres bastante entusiasta acerca del trabajo de Mr. Boring. Después recibimos las pruebas de la tira diaria que hizo y ciertamente nos impresionaron sus muchos defectos. Whit ya te ha transmitido estas críticas. No puedo reiterar con suficiente fuerza la necesidad de concienzudo trabajo que es necesario en la tira diaria de Superman, la dominical y las páginas de la revista. Podéis ver por nuestra forma de abordar las cosas ahora, como la crítica y la aprobación de los guiones, que no toleraremos o aceptaremos un trabajo descuidado. Sé que puedes hacer y que puedes influir a Joe para que haga un muy buen trabajo en esta serie.
Whit os ha enviado un diseño de portada aprobado. Debe estar terminado para el final de esta semana. Dile a Joe que cuando abocete las portadas tenga en mente que Superman siempre debe ser la figura más grande y vista de frente.
Es el 23 de este mes y todavía tengo que recibir el material de Superman necesario para el número de Mayo de Action. Hazme saber por correo aéreo cuándo va a llegar. También ha llamado el sindicato diciendo que están al borde de la fecha límite. ¿No habéis producido ninguna tira diaria o dominical desde que os fuisteis de aquí? Por favor, no olvides que todas las copias tienen que pasar por nuestra oficina. ¿Cuánto tiempo más dura la presente historia en las tiras diarias? ¿Estáis trabajando en algún nuevo guión? Nos tenéis que dar suficiente tiempo para aprobarlo, así que poneos manos a la obra.
No he recibido una copia de la historia de Superman detallada que hemos aprobado recientemente. Vamos a revisar este guión con lupa. Por favor, escribe tu sinopsis a doble espacio y por una cara. Céntrate en tu trabajo con entusiasmo y ambición por mejorar y olvida los derechos de los libros, los derechos de las películas y todos los demás sueños. Ya te informaré tan pronto como sucedan las cosas. Después de todo, debes date cuenta de que nosotros hemos invertido en esto mucho más que tú y manejaremos las cosas del modo adecuado.
Muy sinceramente tuyo,
J. S. Liebowitz
PS: Te enviamos un par de copias de muestra de Superman #4. También añadimos un cheque de 104$.
Nos hemos fijado que en la última tira diaria Clark Kent vuela sin su traje de Superman puesto. Creemos que es una política poco inteligente mostrarlo sin el traje de Superman cuando realiza cualquiera de sus proezas.
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28 de Septiembre, 1938. Liebowitz a Siegel
30 de Septiembre, 1938. Siegel a Liebowitz
21 de Abril, 1939. Liebowitz a Siegel
22 de Enero, 1940. Ellsworth a Siegel
Continuamos con la traducción de las cartas enviadas por los responsables editoriales de Superman a Jerry Siegel, que iremos ofreciendo en orden cronológico. A partir de este momento, gran parte de los comentarios por parte de los editores de DC a Jerry Siegel (era él quien se encargaba de las relaciones con “los jefes”) se centrarán en la tira de periódico (que comienza en Enero de 1939), y en general todas las cartas estarán marcadas por el descontento de la editorial en la tardanza en las fechas de entrega, la calidad del dibujo y la falta de comunicación entre ambas partes. Aunque en cierto modo se pueden hacer repetitivas, cada una de las cartas arroja algo de luz sobre distintos aspectos no sólo de la relación entre Jerry Siegel y Joe Shuster con DC y el sindicato McClure, sino sobre el ambiente, los estándares y las prácticas editoriales y artísticas de la época.
Como complemento, tiras y páginas dominicales de Superman, aquí.
21 de Abril, 1939
Querido Jerry:
Te he escrito muchas veces en el pasado sobre la imposibilidad de permitir que las condiciones del trabajo que estás haciendo para nosotros y para McClure permanezcan como hasta el momento. Cada mañana recibo copias de críticas y quejas que te envía Miss Baker de McClure. A eso también puedo añadir muchas cartas de queja no escritas de nuestra parte.
Me parece, por si todavía no te has dado cuenta, que tu éxito y el de Joe está limitado por cada error que cometéis, en particular respecto a la tira de periódico. Con la publicación de esa tira llegáis a una audiencia más amplia y más crítica, no sólo de lectores adultos, sino de los editores que parecen ver grandes posibilidades para esta tira, pero predicen un fracaso total si no realiza un cambio rápidamente. Para mí, dejando aparte cualquier comentario sobre vuestra calidad, tenéis el germen de una gran idea en Superman, pero necesitáis supervisión editorial constante y un alter-ego que pueda criticar y señalar pequeños detalles que no son apreciables por alguien de fuera y que pueden hacer que la tira tenga éxito o se hunda.
Ya hemos discutido con vosotros en numerosas ocasiones la necesidad de que enviéis por adelantado los siguientes capítulos de la serie de Superman para la revista, para que podamos ser de utilidad con muchas sugerencias. Habéis prometido que cumpliríais nuestra petición. Hasta ahora continuamos recibiendo vuestro trabajo de manera irregular, una página hoy y más mañana, y este mes en particular lleváis un retraso de 20 días sobre lo programado. Debido a nuestra necesidad de cumplir las fechas límites de impresión, muchas veces nos vemos forzados a aceptar lo que sea que se nos manda, pero hay demasiado en juego en una situación como esta para continuar sin hacer un esfuerzo en hallar una solución.
Mi sugerencia y la del resto de asociados aquí, es que tú y Joe deberíais venir a New York, donde podemos estar en contacto con todo lo que hagáis al momento. Creo que con una rutina diaria en una oficina seréis capaces de lograr mejores resultados, lejos de las distracciones de trabajar en casa.
Mr. Nimis de McClure estuvo aquí hoy y comentó que definitivamente no tienen intención de continuar como hasta ahora. Aunque son conscientes de que en un futuro podría representar dinero para todos, creen que el tiempo, el esfuerzo y las molestias acaecidas para conseguir que esto marche apropiadamente, no merecen la pena, debido a vuestra falta de cooperación.
Considerad esto seriamente tú y Joe. No os guiéis por vuestros resultados monetarios actuales. Hemos hecho todo el esfuerzo posible para incrementar vuestras ganancias y esperamos hacer más, pero debéis invertir ahora en construir para el futuro.
Vuestra estancia en New York no tiene por qué ser definitiva, sino al menos hasta que todo vaya correctamente y consigáis poneros al día con vuestro trabajo.
Agradecería una respuesta rápida sobre vuestra reacción a mis propuestas.
Muy sinceramente tuyo,
J. S. Liebowitz
Correspondencia previa
28 de Septiembre, 1938. Liebowitz a Siegel
30 de Septiembre, 1938. Siegel a Liebowitz
A continuación traducimos parte de la respuesta de Jerry Siegel a la dura carta de Jack Liebowitz. Por cierto, para tener una perspectiva global sobre los hechos que rodean a este caso y cómo se desarrolló en el tiempo, recomendamos la lectura de estas entradas. Y el primer número de Action Comics, escaneado al completo, aquí.
30 de Septiembre, 1938
Querido Jack:
Gracias por tu larga y detallada carta en la que explicas muchas cosas para nuestra completa satisfacción. Aquí encontrarás adjuntos y firmados los seis contratos que nos remitiste. Por favor, haz que nos llegue una copia de cada uno de esos contratos cuanto antes (nunca se nos envió una copia del anterior contrato que firmamos contigo).
Mi anterior carta evidentemente estaba escrita basada en un malentendido. Verás, no teníamos ni idea de lo que estás pagando por otras series en las revistas. Además, habíamos escuchado que las series con páginas de seis viñetas de las revistas originales (ahora mismo desaparecidas), habían recibido 15$ por página. (No me refería a las páginas de seis viñetas en tus publicaciones). En ese momento nos pareció que Superman merecía al menos la tarifa máxima que estabas pagando por este tipo de material (pensábamos que quizás estabas pagando 15$ por página por algún material, tal vez a O’Mealia, que creemos que es un hombre caro). Tu información sobre que ya estamos recibiendo 4$ y 3$ más por página que otros contribuidores nos da la perspectiva adecuada. Como he mencionado antes, Joe y yo agradecemos (especialmente tras haber trabajado con Nicholson) haber conseguido un buen trato con Detective Comics, Inc. Vuestros pagos son rápidos, vuestro trato amistoso y cortés -¡¿Quién podría pedir más?!
(…)
Cordialmente,
Jerry Siegel
Jeff Trexler ha escrito un interesante artículo en Newsarama en el que comenta detalles sobre la correspondencia mantenida entre Jerry Siegel y Joe Shuster y los editores de DC entre 1938 y 1947 y donde estos últimos imponían a los autores algunos cambios estéticos y conceptuales en la serie de Superman. Leed el artículo para conocer cómo pidieron a los autores que Lois Lane tuviera “un aborto” (esto es, que no pareciese tan tripona), que hiciesen a Superman menos gay o que no le hiciesen volar sin su traje de superhéroe. Sin embargo a nosotros nos ha chocado más la actitud prepotente de los editores para con los autores y el modo en que tratan de engañarles haciéndoles creer que ni Superman es tan popular, ni ellos son imprescindibles. Traducimos a continuación casi en su totalidad una de las cartas, remitida por Jack Liebowitz (copropietario de DC) a Jerry Siegel. Atención porque no tiene desperdicio. El documento que enlazamos contiene muchas más cartas que iremos traduciendo en los próximos días.
28 de Septiembre, 1938
(…)
Ahora, en respuesta a tu carta. Francamente, cuando la leí me quedé sin aliento. No había previsto que cuando te pedí que vinieras a New York para discutir el tema de la sindicación en los periódicos, querrías beneficiarte de la visita y tratar de subir tu precio por Superman. Debes tener en mente, Jerry, que cuando empezamos con Action Comics aceptamos pagaros 10$ por página, lo que representa 4$ más de lo que cualquier otro está recibiendo por cualquier otra serie en cualquiera de nuestras revistas.
(…)
Además, ten en cuenta que cuando decidimos sacar Action Comics, nosotros estábamos haciendo una enorme apuesta de muchos miles de dólares. Nadie nos aseguraba que Action Comics no fuera una propuesta perdedora –vosotros no hicisteis tal apuesta.
Respecto a la tarifa de 25$ por reimpresiones, cuando Superman alcance la misma popularidad que Dick Tracy, Orphan Annie, Skippy, Mutt & Jeff y otras docenas de series de alto nivel, estarás en posición de pedir más dinero –y nosotros estaremos más que satisfechos de compensarte en concordancia.
Respecto a la encuesta de popularidad, tenemos aproximadamente 300 cartas en respuesta a la encuesta. Si fueses tan observador te habrías dado cuenta de que la mayoría de esas cartas todavía no se han abierto, y no sé si Superman encabeza la lista o lo hace Zatara o alguna otra serie que aparece en el cómic. Si basas la popularidad de tu serie en 300 cartas, estás exagerando groseramente la importancia de Superman. No olvides que hay 64 páginas en la revista y que no hay una sola revista que se publique hoy en día cuyas ventas se basen en una única serie, tanto si esa serie es Popeye, Mickey Mouse o cualquier otro cómic de calidad, y si por un solo momento yo pensase que nuestra revista dependieran de vuestra serie, ciertamente haría todo lo posible para evitar esa situación.
De hecho hoy hemos abierto el resto de correo de la encuesta y hemos visto que aproximadamente el 25% indica a Zatara como su cómic favorito, al 20% le gusta Pep Morgan, al 15% Tex Thompson y sólo el 30% ha designado a Superman como su favorito, repartiéndose el resto entre las otras series de la revista, así que bájate de tu caballo.
¿Es posible que porque te hayamos tratado como a un ser humando de pronto te hayas vuelto arrogante? También puede ser que tengas la falsa ilusión de que porque has llegado a la ciudad y entrado en una gran organización que te ha dado tiempo y mostrado toda la cortesía que se merecería toda gran personalidad, hayas malentendido todas estas acciones, que estábamos tratando de sacar algo de ti. El caso es claramente el contrario. Estábamos tratando de darte a ti, un joven inexperto, el beneficio de nuestra experiencia y buena voluntad para que pudieras sacar adelante tu ambición de convertirte en alguien en el campo de los cómics.
No te hagas a la idea de que todo el mundo en New York es un timador y un corrupto, y porque se te trate como a un caballero y como a un igual, no sólo por nosotros sino por Mr. Gaines y la gente de McClure, estemos buscando aprovecharnos de ti.
Como te he indicado muchas veces, nuestra compañía tiene muy poco que ganar en términos monetarios de la sindicación de este material. Además, ten en mente que la serie Superman es propiedad nuestra y que podemos reemplazarte en cualquier momento en el dibujo [sic] de la serie, y que sin nuestro consentimiento esta serie no sería sindicada y por tanto tú serías el perdedor en toda esta transacción.
El incremento que demandas no me duele tanto como tu actitud sobre todo el asunto. No quiero ser muy duro sobre ello porque me doy cuenta de que debido a tu inexperiencia has hecho una petición injusta. Con el tiempo, si nuestra asociación continúa, te darás cuenta de que has sido muy afortunado de encontrarte con gente que mira por tus intereses tanto como por el suyo propio.
No olvides, Jerry, que tú y Joe todavía sois jóvenes. Cuando empezamos a trabajar con vosotros, estabais recibiendo muy poco de Nicholson –cuando recibíais algo, y no llegabais a ningún sitio. Hemos más que doblado vuestros ingresos en los últimos seis o siete meses y sólo el futuro dirá cuán lejos podéis llegar.
Por favor, piensa seriamente sobre todo el tema. Depende completamente de ti y Joe si queréis que continúe nuestra plácida relación y si queréis que la serie Superman sea sindicada.
Muy sinceramente tuyo,
J. S. Liebowitz
Vía Mark Evanier llega la triste noticia del fallecimiento ayer de Jack Kamen a los 88 años de edad debido a un cáncer. Jack Kamen es conocido fundamentalmente por su trabajo en los años ’50 para la editorial EC.
Con formación artística en el campo de la escultura, Kamen llega al mundo de la ilustración en 1941 dibujando para revistas pulp, y tras un paréntesis debido a su reclutamiento durante la II Guerra Mundial, entra en el mundo del cómic de la mano de editoriales de la época como Avon, Fiction House, Fox y Superior dibujando historias de romance, western y aventura y realizando numerosas portadas. En 1950 recala en EC, donde aprovechan su mayor cualidad, el dibujo de mujeres bonitas, para ofrecerle guiones protagonizados por matrimonios tipo norteamericanos que en muchas ocasiones terminan en tragedia (lo que Bill Gaines llamaba “buster stories”), como es costumbre en las páginas de las revistas en las que publica, entre las que destacan Tales from the Crypt, The Haunt of Fear, Shock SuspenStories, Crime SuspenStories y Weird Science/Fantasy. No fue uno de los mejores dibujantes de la compañía, pero su prolificidad y el contraste entre su trazo limpio y amable y el tono de horror de las historias que ilustraba lo convirtieron en una de las bazas fijas de Gaines y Al Feldstein a la hora de repartir guiones entre sus empleados.
Cuando el Comics Code impune una nueva línea de publicación en EC, Kamen idea el concepto de “Picto-Ficción”, del que declaraba sentirse enormemente orgulloso, y su trabajo en este nuevo estilo puede leerse en revistas como Psychoanalysis, donde dibuja todas las páginas durante el corto período de tiempo que se mantiene en el mercado (4 números).
En 1954 Kamen abandona el mundo de los cómics en favor de la ilustración y la publicidad, sueño que había acariciado durante toda su carrera. En sus propias palabras: “Mi objetivo siempre ha sido alcanzar el nivel superior del arte comercial, por razones económicas tanto como profesionales”. En su nuevo campo de trabajo realiza numerosas pinturas y trabaja para empresas de alto nivel como Mack Trucks, Smith Corona, Pan American Airlines, Playtex o RCA. Uno de sus trabajos más recordados de este período es la portada para la adaptación al cómic de la película de George Romero Creepshow, realizada en 1982 y que recoge el espíritu y la estética de las publicaciones de la EC que le hicieron famoso. También las cortinillas en forma de cómic que aparecen entre historia e historia en la película son obra suya, y se le acredita como asistente en Creepshow 2.
Desde aquí rendimos nuestro homenaje al autor con Beauty and the beach, una historia aparecida en Shock SuspenStories #7 en 1953 donde se pone de manifiesto su habilidad en el dibujo de mujeres hermosas y el estilo de relatos que ilustraba habitualmente para la compañía.
Enlaces de interés
Jack Kamen en Wikipedia
Jack Kamen’s EC Cover Art
Obituario en The Comics Reporter
La llegada de los años ’50 supuso una época movida para Will Eisner. En Enero de 1950 se casa con la sería su esposa hasta su muerte, Ann, y en 1951 comienza a trabajar para el Ejército en PS Magazine. Así pues, The Spirit va quedando en manos de asistentes, con Eisner supervisando los guiones de Jules Feiffer y Klaus Nordling y el dibujo y entintado (a veces sobre bocetos del propio Eisner) de autores de habilidad dispar como Al Wenzel, Jim Dixon, Don Perlin o Jerry Grandenetti.
Hacia finales del ’51 Eisner ya es consciente de que la serie necesita un cambio de rumbo o bien sucumbir a la cancelación. Sin embargo, en 1952 contacta con Wally Wood y el tan necesitado cambio de esquemas llega a la serie: The Spirit viajará a la Luna en una historia de “continuará” dibujada por Wood, que ya había demostrado su habilidad en la representación de aventuras espaciales en Weird Science y Weird Fantasy, los cómics de ciencia ficción de EC. Así pues, con un proyecto que le viene como anillo al dedo, Wood comienza a dibujar la aventura espacial de Spirit, cuya primera entrega se publica el 27 de Julio de 1952.
Evidentemente, el estilo de Wood y su dominio de la iluminación son perfectos para ilustrar el relato, bordando la maquinaria de las naves, el paisaje desolado y trufado de cráteres de la Luna y los trajes espaciales. Por cierto, atención al color separando planos gracias al cual la primera viñeta de esta página se divide en tres sub-viñetas.
El cambio de estilo es tan evidente (aunque no es que no lo fuera en el caso de los anteriores dibujantes) y la intención de dar un vuelco al personaje tan grande, apelando al creciente interés por la ciencia ficción del público en general, que la serie pasa a denominarse Outer Space, relegando el nombre del protagonista, si acaso, a un ocasional “starring” o “featuring Danny Colt alias The Spirit”. Wood dibuja las tres primeras entregas semanales, hasta que sus compromisos con Weird Science hacen que las fechas de entrega le superen. Además, diversos periódicos reclaman al sindicato que Eisner vuelva al dibujo, lo que este hace en la cuarta entrega del 17 de Julio. A partir de ese momento, Wood y Eisner llegan a una solución de compromiso: el primero dibuja las escenas en el espacio y el segundo se encarga de dibujar las que transcurren en la Tierra. Además, la sección se reduce a 4 páginas, rellenando las 3 restantes con reimpresiones de material antiguo.
El 14 de Septiembre, posiblemente por problemas en las fechas de entrega por parte de Wood, se publica una historia dibujada en su totalidad por Eisner en la que se hace mención a que Spirit está regresando a la Tierra y en la que se hace un refrito de la historia del 28 de Noviembre de 1948, y no es hasta la semana siguiente que Wood vuelve a aparecer en la serie (por última vez), ya sin el título genérico Outer Space pero con Spirit todavía en el espacio.
Por fin, el 21 de Septiembre Spirit aterriza en nuestro planeta, no sin antes tener un encontronazo con un OVNI, lo que da pie a la que parece que va a ser la siguiente trama semanal, a tenor del título (y contenido) de la historia de la semana siguiente, Denny Colt, UFO investigator. Misteriosamente, el rótulo Outer Space vuelve a aparecer en la primera página de la historia… que por suerte o por desgracia y sin que nada en su argumento apunte a ello, sería la última tras 12 años ininterrumpidos de The Spirit.
Toda la etapa de Outer Space (y las 200 páginas previas) acaban de publicarse en Estados Unidos por DC en el tomo 24 de Los Archivos de The Spirit, de donde hemos escaneado las imágenes. En España la saga fue publicada por Toutain en 1981 bajo el título The Spirit: Espacio Exterior, y en Estados Unidos la editó Kitchen Sink Press en 1983 bajo el título The Outer Space Spirit – 1952. Tanto Toutain como Kitchen Sink publicaron la obra en blanco y negro, y si no me equivoco la edición de DC es la primera que permite después de más de 50 años leer las páginas a color.
Si ayer veíamos algunos dibujos preliminares para portadas y páginas interiores de Harvey Kurtzman, hoy vamos a hacer lo propio con un autor diametralmente opuesto: Edgar P Jacobs. Hemos escaneado algunas páginas del libro Art et Innovation dans la Bande Dessinée Europeenne (Editions de Buck, 1987) donde se pueden ver los lápices y las páginas entintadas de algunos pasajes de El secreto del espadón 3, El misterio de la gran pirámide 2 y La marca amarilla, respectivamente, además de un preliminar para la portada de este último. Como podési comprobar, mientras que en las figuras humanas casi no se producen cambios, los fondos apenas esbozados en el lápiz se acaban con la tinta, y sólo en unas pocas ocasiones los personajes sufren algún retoque o cambio de posición o postura. Todas las imágenes se amplían.
Harvey Kurtzman es uno de los autores que más nos gustan por aquí, al menos a alguno de nosotros. Un libro muy interesante para conocer algo más sobre el autor es el especial que le dedicó The Comics Journal, con entrevistas, artículos y muchas muestras de sus diversos trabajos. Vamos a compartir unas pocas de esas ilustraciones…
Enpezamos con dos páginas de Hey look!, una de sus series como autor único más conocidas. Historias de humor de una sola página que vieron la luz en distintas publicaciones. La que se muestra a continuación es la primera página de la serie realizada por el autor en 1946 pero que no fue publicada hasta 1948 en Jennie #17.
Esta otra página se publicó en Gay #37 en 1949.
A Kurtzman le encataba dibujar (o proponer a sus dibujantes) multitudes. En esta ilustración realizada para el número de Octubre de 1950 de Varsity, el autor satiriza sobre el espítitu deportivo.
Y en esta otra para el número de Febrero de 1951 de la misma revista, desarrolla la idea de “la primavera la sangre altera”, especialmente en el campus universitario.
También en 1951 realiza una ilustración para Why? The magazine of popular psychology #7 en la que muestra distintas formas en la que el ser humano ríe.
Esta elaborada ilustración que remeda un grabado antiguo apareció en Esquire en Abril de 1959.
Y en este otro dibujo titulado Vienna: Three views para el número de Junio de 1960 de la misma revista, luce un estilo más suelto, cercano al de sus bocetos.
Hablando de bocetos, vamos con algunos para las portadas de MAD. El primero corresponde al cuarto número de la revista, de 1953. Sin embargo, como puede verse en el boceto, la idea era que apareciese como portada del número 3.
Todavía más retraso acumuló el dibujo ideado para la portada del número 7, que se acabó publicando en el número 10, ya en 1954.
Kurtzman también destacó en las historias de guerra para EC, donde desarrollo un buen número de artificios narrativos todavía vigentes y admirados hoy en día. Además, sus portadas solían tener una fuerte carga narrativa y emotiva. A continuación, el boceto y la portada definitiva para Two-Fisted tales #26 (1952).
Damos un salto de casi 20 años para ver el boceto de página de la historia de Little Annie Fanny aparecida en la revista Playboy en Junio de 1971. El dibujo acabado es de Will Elder.
Y para terminar, no por falta de material sino por no aburrir, un anuncio para los rotuladores Scripto de 1972 realizado con fotogramas del anuncio para televisión.
No os preocupéis que ya no queda mucho. Bueno, en realidad sí que queda mucho que hablar, pero no queremos empachar (aún más) con el tema de Corben. 40 años haciendo cómics dan para muchas obras, muchas buenas lecturas y, por supuesto, muchas curiosidades. Los auténticos expertos, ya lo hemos dicho, están el El Diario de Jeremy Brood, El Blog de Razar, La Leyenda de Richard Corben o Factor Corben, pero queremos aportar también nuestro granito de arena con algunas curiosidades sobre el autor. Ya sabéis, clic en (casi todas) las imágenes para ampliar.
Aunque ahora mismo estamos celebrando los 40 años de Corben en el mundo del cómic, ya desde muy pequeño demostró sus dotes para el dibujo y su interés por la historieta. En Vuelo a la fantasía se reproducen algunas páginas de este Corben amateur. Aunque no se indica la edad a la que realizó las siguientes historias, podemos suponer que aún era un tierno infante.
Evidentemente, Corben ya tenía un mayor dominio del dibujo y sobre todo empezaba a perfilar un estilo propio cuando realizó esta otra página para una historia inacabada:
Pero como bien indica el compañero Jeremy Brood, la primera historia de Corben fue publicada en 1968 en el fanzine Voice of Comicdom. También fue en este fanzine donde algo después Corben publicó la que sería su primera historia importante, Rowlf. Las 32 páginas se dividieron entre los números 16 (1970) y 17 (1971) del fanzine, que lucieron sendas portadas dobles.
También en 1971, Rip Off Press se fijó en aquella historia y la editó de forma independiente en un cuadernillo con un mago en portada y un perro soldado en la contraportada. Un auténtico bombazo de ventas para el momento que dio lugar pronto a una segunda edición, donde se invirtieron portada y contraportada.
Pero volviendo a Voice of Comicdom, Corben realizó una ilustración para los sobres que empleaba el fanzine en sus envío por correo. Era esta, y en ella ya podemos apreciar la famosa “patada voladora” del autor:
Las portadas de Corben, como ya hemos visto, se caracterizan por la fantasía a raudales, la representación del héroe o la invocación del terror en cualquiera de sus formas, desde el típico monstruo hasta la invocación de temores más sutiles. Sin embargo, Corben ha prácticado a menudo el humor, casi siempre en historias cortas y, alguna vez, como en Pilgor, de forma más extensa. Por tanto no es de extrañar que ese humor haya aparecido también en portadas de publicaciones underground. Vamos a ver algunas.
Damos un giro radical, o casi, porque seguimos hablando de humor. Ayer veíamos un par de portadas de Corben para Las Tortugas Ninja. De hecho, el número 33 de la serie, además de la portada, contaba con páginas interiores de Corben como esta:
¿Cómo hace la separación de color y línea Corben en los ’90? Así.
Más páginas de tortugas aquí, y más muestras de los colores de Corben y sus acetatos con la línea, aquí.
Corben también ha colaborado en varios de esos cómics “grupales”, en los que se reunen un buen número de autores que dibujan un par de páginas cada uno de la historia, como el famoso Heroes for Hope (Marvel, 1985):
O The Spirit Magazine #30 (Kitchen Sink Press, 1981).
Por cierto, hablando de The Spirit, os proponemos un pequeño juego. La portada de aquel número fue diseñada y dibujado a lápiz por Peter Poplaski. Sin embargo, los entintadores de los distintos grupos de personajes (guía bajo el dibujo) fueron Richard Corben, Milton Caniff, Will Eisner, Leslie Cabarga, Denis Kitchen, John Pound y el propio Poplaski. ¿Sabríais identificarlos? Dibujo y guía están escaneados del libro Kitchen Sink Press: The first 25 years.
Pero volvamos a los monstruos. Algunos de estos dibujos, que hemos tomado de Vuelo a la fantasía, ya se han visto en otras páginas web, pero no nos resistimos a dejarlos aquí…
Para ir acabando, algunas muestras del Corben no historietista, sino escultor, aunque utilice estas estatuillas como modelos para sus dibujos.
Y por último, algunas imágenes del Corben cineasta, otra de sus facetas. Como él mismo comenta en la página que se muestra a continuación, Den nació como personaje de película de animación…
Vamos con una segunda entrega de ilustraciones de Corben dentro de la semana temática propuesta por Jeremy Brood.
Corben realizó esta ilustración en 1982 para un segundo portafolio sobre el personaje de Pilgor que finalmente no fue publicado. Lleva por título Pilgor and the snake Women.
Portada de 1986 para un libro de la serie de juegos de rol Beyond the Supernatural.
En 1986 se publicó el libro de relatos Twisted Tales, de Bruce Jones, que contenía ilustraciones en blanco y negro de su buen amigo Corben. Debido a la pobre impresión del libro, Corben decidió incluirlas todas en su Richard Corben’s Art Book Vol 2, con el color añadido mediante computadora de Beth Corben. Vamos con algunas de ellas, como esta Going native, para el relato Cosmic Death.
Esta terrorífica ilustración con el explícito título Lusty granny fue realizada para acompañar a la historia Roomers. Ni la historia ni la ilustración acabaron formando parte del libro.
Esta otra ilustración, titulada Nasty Boogy, servía de complemento al relato Children of the stars.
Y para terminar nuestro incompleto repaso al libro de Jones, The window, que ilustró Jessie’s friend.
Más Corben de 1986. En esta ocasión se trata de una ilustración bastante conocida, bajo el título Under the oak, que formaba parte de un portafolio en el que el autor abordaba temas naturales, alejándose de la fantasía y el terror. Sin embargo es interesante el comentario del propio Corben sobre esta ilustración: Según él, en ella también hay un monstruo presente, en concreto “el blanco indefinido, lo desconocido, sin forma, el símbolo del olvido”.
Portada para la película Spookies, de 1987. Desde luego, no es uno de sus mejores trabajos, pero es curioso, y además contamos con la posibilidad de ver también el boceto previo, bastante más potente.
Tampoco es desconocida esta ilustración de 1991 en homenaje a Moebius y su Arzach, publicada en la revista Cimoc y en el libro Visiones de Arzach (Norma, 1994), donde diversos autores daban su particular visión del personaje del autor francés.
Y para terminar por hoy, un dibujo en blanco y negro de 1998 que se incluía en el álbum recopilario Heavy Metal: The best of Richard Corben from Creepy & Eerie!
Volvamos por un momento esta entrada y fijémonos en la primera página de la segunda historia, de 1993:
Bien. Ahora demos un salto de 20 años atrás en el tiempo y veamos la primera página de The low spark of high heeled noise!, publicada originalmente en Creepy #57 (1973).
Efectivamente, un ejemplo de Corben recreándose a sí mismo.
Por supuesto, no es un caso aislado. Muy a menudo Corben retoca elementos de sus ilustraciones, como puede verse por ejemplo en esta entrada de El Blog de Taula o en esta otra en El Blog de Razar, rematada por Jaume Vaquer. Como acabamos de ver, tampoco es extraño que Corben se copie a sí mismo en el interior de los cómics, y aquí tenemos varios ejemplos muy claros.
¿Qué pasa? ¿Es un vago Corben? Supongo que dependerá del momento, de las prisas y de la inspiración, pero en su descargo es interesante rescatar esta anécdota narrada por Berni Wrightson:
Viernes por la mañana, 11:20 a.m. Overland Park, Kansas. Bruce Jones y yo decidimos que el lunes queremos ir a Kansas City a ver el paisaje.
Sábado por la tarde, 3:05 p.m. Overland Park: estamos en casa de Corben y le preguntamos si quiere venir con nosotros. Dice que sí, pero primero tiene que terminar la portada pintada para Bloodstar, y todavía ni ha empezado.
Sábado por la tarde, 5:15 p.m., Overland Park: Bruce y yo estamos en mi apartamento. Yo digo: “Corben nunca terminará ese dibujo para el lunes por la mañana. Mejor que no contemos con que venga con nosotros”. Bruce simplemente sonríe.
Domingo por la tarde, 3:20 p.m., Overland Park: Bruce y yo estamos tomando una comida tardía en su casa. Suena el teléfono. Bruce contesta. Dice: “Sí, bien…” unas cuantas veces y cuelga. “Era Corben”, dice, “Ha terminado su pintura y se reunirá con nosotros mañana a las once”.
Yo digo: “¡Que me aspen!”
Bruce simplemente sonríe.
El resultado ya lo conocéis:
Que Richard Corben es un gran autor de cómic y que su personal narrativa es excelente, especialmente cuando se trata de reflejar la acción o de crear tensión, no es un secreto. Tampoco lo es su capacidad como ilustrador, como hemos podido comprobar a lo largo de más de tres décadas de portadas para muy diversas publicaciones. Sus dos grandes temas, la fantasía (incluyendo en esta categoría la ciencia ficcón) y el terror se sintetizan en estas impactantes ilustraciones y queremos también rendir homenaje a esta faceta del autor. Escoger las ilustraciones favoritas de Corben es tarea de titanes, así que hemos optado por seleccionar algunas curiosas, tal vez menos conocidas y que no nos suena haber visto reproducidas como portada de alguna publicación de Toutain, que hizo extensivo uso de ellas. Seguramente ya han sido publicadas en alguno de los muy interesantes blogs españoles dedicados a Corben (El diario de Jeremy Brood, La leyenda de Richard Corben, El blog de Razar), pero por si acaso…
Todas las imágenes están escaneadas de alguno de los 3 libros fundamentales sobre el Corben ilustrador: Vuelo a la fantasía de Fershid Bharucha (Toutain, 1981) en su edición americana, Richard Corben Art Vol 1 (Fantagor Press, 1990) y Richard Corben Art Vol 2 (Fantagor Press, 1994). Ya sabéis, clic para agrandar.
Empezamos con una ilustración muy simple de 1972 donde Corben recupera el sabor de las pin-ups de Alberto Vargas (o al menos eso me parece a mí). Aquí, el autor firma con uno de sus numerosos seudónimos, entre los que se encuentran Corb, Gore, Harvey Sea, RVC…
Seguimos con tres ilustraciones de las 8 con que Corben adornó en 1975 el libro de Philip Jose Farmer A feast unknown, una novela donde se encontraban sendos trasuntos de Tarzan y Doc Savage.
Más Corben temprano, de nuevo de 1975, para una antología de la revista underground Slow Death, publicada por Last Gap.
También 1975 Corben realizó el siguiente póster, titulado Anticipation, para Sal Q.
En Vuelo a la fantasía se mostraba esta portada de 1979 como inédita, no sabemos si con posterioridad sería utilizada en alguna publicación.
Portada de 1980 para Deus Irae, el libro de Philip K Dick y Roger Zelazny. El título no oficial con el que Corben denomina a esta ilustración es: ¿Dónde cancha de baloncesto?
La siguiente portada fue realizada en 1981, pero la que finalmente se publicaría en el primer número del segundo volumen de la revista Death Rattle de Kitchen Sink Press, en 1985, estaría ligeramente retocada…
Esta ilustración de 1984 titulada Necromancy permanecía inédita en 1990. Tras los descalabros económicos que supusieron La caída de la Casa Usher y Jeremy Brood, Corben planeó junto a Simon Revelstroke (con quien ya había realizado Pilgor) un nuevo proyecto para vender a la revista Heavy Metal. Como parte de ese proyecto, que habría sido una adaptación libre de Necromancy in Naat, de Clark Ashton Smith, Corben realizó tres ilustraciones, siendo esta una de ellas.
Continuará.
El amigo Jeremy Brood de El Diario de Jeremy Brood ha organizado una peculiar celebración del cuarenta aniversario de Richard Corben el los cómics. A lo largo de toda semana, y a petición suya, varios blogs publicarán artículos relacionados con el autor. Brood ha cometido la imprudencia de incluirnos a nosotros entre su lista de posibles candidatos a escribir algo sobre el gigantón de Kansas (había que decirlo) y, por supuesto, hemos aceptado. Esperamos que el tiempo nos permita escribir algún otro artículo o mostrar curiosidades sobre Corben a lo largo de esta semana, pero de momento aquí va una pequeña crónica de la primera relación del que suscribe con el autor. Atentos al blog de Brood, donde se irán listando las distintas entradas que en la blogosfera se dediquen a Corben.
Bueno, lo cierto es que la culpa la tuvo mi madre. Yo tendría 7 u 8 años cuando los primeros Vampus, Rufus, Creepy y 1984 empezaron a aparecer por casa de la mano de la cabeza de familia, aficionada irredenta a los tebeos y al terror en cualquiera de sus formas. Ojo, que Mortadelo seguía estando muy bien, que los cuadernillos de Vértice de héroes Marvel seguían siendo lectura fija y predilecta, y los Asterix eran algo muy especial, pero aquellos otros tebeos tenían algo que no tenían los demás. Tenían, por ejemplo, sexo, que aunque yo aún no sabía muy bien lo que era (o tal vez precisamente por eso), excitaba mi imaginación. Tenían violencia, pero violencia de la buena, de tripas y sesos, de brazos arrancados y personajes devorados por las ratas. Había otros mundos, había personajes amorales, traición, intriga, finales sorprendentes, naves espaciales, razas extraterrestres, dimensiones desconocidas… Y sobre todo, cada historia, aunque algunos de los argumentos se repitiesen a menudo, estaba dibujada de forma distinta. Sí, es cierto, también en los cómics Marvel o en los de Bruguera había diferentes estilos, pero es que en las publicaciones de Toutain (que eran las más abundantes en mi casa) la variedad era tremenda. Ahí empecé a interesarme por los señores que dibujaban los tebeos (el tema de los guiones era algo que no me interesaba tanto), y uno de los primeros que aprendía a reconocer fue, como no, Richard Corben.
No era difícil. Raro era el mes que los tebeos de Toutain no publicaban algo de Corben. Su trazo, daba igual que fuera en blanco y negro o en color, tenía una cualidad especial y no se parecía al de nadie. Sus personajes lucían unas características anatómicas, eso, características. Y sobre todo, se salían de las páginas. Corben era al cómic lo que Star Wars al cine: efectos especiales nunca vistos. De entre todos los autores de cómic, el primero y casi único que he visto capaz de hacer que el humo tenga cuerpo y volumen, es Corben. Su sangre era espesa y en ocasiones SABÍAS que caía lentamente, gota a gota. El movimiento de sus personajes era lo más parecido a ver una película de Bruce Lee. ¡Joder, las patadas de Den HACÍAN DAÑO! Cuando dibujaba bichos, eso sí, había dos opciones: que fueran ridículos o que impresionaran bastante, aunque esto último era lo más habitual. Demasiado para un crío. Y luego claro, llegó el momento en que descubrí que además de revistas, se publicaba una cosa parecida a los tebeos de Asterix, con una historia larga completa de aquellos dibujantes de ciencia-ficción (en todos los sentidos). Aquello fue el principio del fin.
Así que nos ponemos en 1982, con 9 años más o menos. Un día paso por delante de una tienda bastante perdida entre callejas donde venden discos y algunos tebeos, y por casualidad echo una mirada dentro y allí, en un expositor, estaba él. A esa edad, para mí aquella era una tienda “de mayores”. Pero la portada me llama, tira de mí como un imán, me armo de valor y entro en la tienda. En el expositor, varios álbumes “para adultos” (no, porno no), básicamente por su precio desorbitado. Y entre todos aquellos álbumes, aquél que había ejercido sus cantos de sirena sobre mí. El celofán en que estaba envuelto convertía su contenido su contenido en un misterio, pero la portada fue suficiente para atraparme. Unas ruinas que hablaban de futuro apocalíptico (¡bien!), un par de tipos raros, sin duda mutantes debidos a la radiación (¡bien!), un calvo marca de la casa de Corben y una muchacha de enormes pechos y piernas al aire (¡BIEN!) y, sobre todo, un bicho feo, grande y malo, con pinta de oso-perro loco, con unos ojos pequeñitos pero crueles, unas zarpas más grandes que las tetas de la chica y una boca toda llena de dientes y saliva (¡COJONUDO!). Ya sabes de qué álbum hablo, ¿no?
Por supuesto, aquel tebeo excede de largo mis posibilidades económicas. No recuerdo cuánto costaba y no tiene el precio impreso, pero estoy seguro de que para mí es un pastizal. No importa. Tiene que ser mío. Vuelvo a casa resuelto a ahorrar lo suficiente para comprarlo. Claro, a esa edad, la capacidad de ahorro es prácticamente nula, así que me toca hacer recados para quedarme con la vuelta (en aquella época en el bar de debajo de casa no tenían ningún problema en vender paquetes de tabaco a los niños, qué tiempos), hacer visitas sorpresa a la abuela y, por supuesto, ser muy bueno (esto último es fácil, siempre lo he sido). Pero… ¿y si mientras consigo el dinero alguien se compra MÍ tebeo? No me queda más remedio que acercarme todos los días a la tienda y echar un vistazo desde el escaparate. A veces entro y lo sostengo un rato entre las manos. Hay que reforzar el vínculo, conseguir que el tebeo quiera venirse conmigo tanto como yo quiero llevármelo. Todavía no conozco la palabra “retractilado”, pero ya la maldigo. ¡Tengo que saber si el bicho se los merienda o no! (aunque mi apuesta es que no, al menos al calvo y a la chica no). Por supuesto, cuando devuelvo el tebeo a la estantería, lo dejo de modo que quede, ejem, más bien oculto. Lo del vínculo está muy bien, de hecho yo creo que va funcionando, pero a ver si un listo va a venir y no se va a dar cuenta de que el tebeo ya tiene dueño. No recuerdo cuanto tiempo dura mi peregrinación diaria y mi proceso de acumulación de capital, tal vez un par de meses en los que me siento como el Tío Gilito, sin comprar gominolas ni nada. Empiezo a conocer la parte dura del coleccionismo antes de haber conocido sus placeres.
Ya tengo el dinero. Ese día hay una mezcla de alegría y de pavor. ¡Imagínate que ya no está! Pero no, llego a la tiendo y mi viejo amigo me está esperando. Yo creo que el de la tienda me mira raro cuando llevo el tebeo a la caja y pago, pero la verdad, en ese momento lo único que me preocupa es llegar a casa y desvirgarlo. Llego, quito el plástico y… ¡¡¡KA-BOOM!!! Menuda hostia en toda la cara, para mí que es el mejor Corben que he visto en la vida. La recompensa ha merecido el sacrificio. Lo hojeo un rato, me leo los prólogos y… lo cierro. Ya es mío, no hay prisa. Lo dejo en una estantería. Al día siguiente repito el ritual. Lo hojeo un rato, con cuidado de no leer los bocadillos. Me flipa, me flipa.
Y así pasaron otros dos, tres meses hasta que encontré el momento para leerlo. En realidad, para cuando acometí la lectura ya me sabía todas las páginas casi de memoria, pero dio igual (por cierto, esta es una fea costumbre que, aunque de forma más moderada, mantengo a día de hoy). A medida que pasaba páginas, me emocioné con las peleas, me fascinó el futuro apocalíptico, me reí de la estupidez de Dimento, me entristecí con el modo en que los demás le trataban y me congratulé de mi propia sapiencia respecto a quién iba a ser merendado por el bicho. Como he dicho, aquel fue el principio del fin. Luego vendrían más álbumes, muchas más historias. Habría mejores tebeos de Corben, los habría que leí más veces, pero aquel Mundo Mutante sería ya por siempre… mi primer amor.
Continuamos con la entradas relacionadas con los autores clásicos de EC, y es el turno de Wallace Wood (llegó un momento en su carrera en que aborrecía que le llamasen Wally, llegando a pedir a todos sus amigos que le llamasen Woody). Vamos con algunas curiosidades, algunas de ellas bastante conocidas, prácticamente clásicos, pero que conviene refrescar de vez en cuando.
En primer lugar, la famosa ilustración The Disneyland Memorial Orgy (tiene hasta su propia entrada en la Wikipedia). Creada por Wood en 1967 para The Realist, la revista satírica de Paul Krassner, la idea fue originalmente de este último. Walt Disney había muerto un año atrás y a Krassner se le ocurrió que para los personajes, Disney era como Dios, y que tras su muerte darían rienda suelta a sus instintos reprimidos. Los estudios Disney (famosos por demandar todo aquello que huela de lejos a utilización indebida de sus personajes) decidieron no demandar a Krassner para no atraer más publicidad hacia la ilustración, pero más tarde demandaron a Sam Ridge por crear y comercializar un póster con la imagen. Por cierto, la imagen:
Aunque el dibujo original se publicó en blanco y negro, existen al menos dos versiones coloreadas posteriormente que se pueden encontrar con facilidad en internet.
La segunda curiosidad es otro clásico: “Las 22 viñetas de Wally Wood que siempre funcionan”. Joel Johnson, que es quien ha ofrecido la versión de gran tamaño que se ha extendido en internet, cuenta en su página que Wood utilizaba estas viñetas para ayudarse en el trabajo. De hecho, Wood tenía enmarcada en la pared la frase: “Nunca dibujes nada que puedas copiar, nunca copies nada que puedas calcar, nunca calques nada que puedas cortar y pegar”. Más tarde, Larry Hama, antiguo asistente de Wood y por aquel entonces editor de Marvel, logró reunir las viñetas gracias a Paul Kirchner (otro antiguo asistente de Wood), que las había recopilado y fotocopiado en tres páginas, las reunió en una sola página, realizó el rótulo del encabezamiento e hizo copias para repartirlas entre los dibujantes del estudio. Las viñetas:
La huella de Wood en el mundo del cómic es enorme, no hubo género que no tocase, y en algunos de ellos dejó una impronta importante. Por ejemplo, él fue quien diseñó el traje rojo de Daredevil, uno de los trajes de superhéroes que mejor ha resistido el paso del tiempo y que desde entonces ha permanecido prácticamente inalterado. Porque como dijo Frank Miller, ese traje es uno de los pocos diseños perfectos en el mundo de los cómics. Hablando de Miller, su Relatos ofensivos está plagado de homenajes al estilo de Wood en las historias de ciencia ficción. Como muestra dos botones:
Aunque es muy habitual que el nombre de Wood se asocie con terror, fantasía, ciencia ficción y erotismo, no hay que olvidar su faceta como humorista. Wood estuvo presente en la revista MAD entre los números 1 y 86, faltando tan sólo en el número 22 a su cita (el número que realizó Will Elder en su totalidad). En MAD fue donde publicó su parodia de Príncipe Valiente, sin duda un placer para él, ya que Harold Foster era uno de sus ídolos del dibujo. El sentimiento de admiración era recíproco entre ambos autores, y cuando Foster estaba buscando sucesores en cuyas manos dejar Príncipe Valiente, hizo una prueba a Wood. En concreto, Wood dibujó la plancha 1762, el 15 de Noviembre de 1970, que mostramos cortesía de El Blog de Taula:
No fue Foster el único admirador de Wood. Steve Ditko, que publicó por primera vez su Mr A en 1967 en Witzend #3, la revista autoeditada por Wally Wood, citaba esta página de The wizard king de Wood como un ejemplo perfecto de narrativa y composición de página para guiar el ojo del lector:
Aunque de forma indirecta, la influencia de Wood ha llegado también a otros medios, como el cine. ¿Cuál es la relación entre Wood y Tim Burton? En 1952 Wood realizó esta portada para Weird Science #16:
En 1962, Topps Company lanzó una serie de cromos con sus chicles, muchos de cuyos diseños se basaban en ilustraciones de Wood, como este, con acabado de Norm Saunders:
El título genérico de los cromos era Mars attacks!, y como ya habréis imaginado fueron la inspiración para la película de Tim Burton del mismo título.
Y aunque las anécdotas y curiosidades sobre Wood son muchas, vamos a terminar con algunas rarezas, como esta portada para un libro de Conan:
El retrato de sus compañeros de EC para un anuncio promocional de la serie Piracy de la editorial (de izquierda a derecha: Al Williamson, Wally Wood, Al Feldstein, Bill Gaines, Reed Crandall y Jack Davis):
Y por último algunas muestras de los lápices de Wood. La historia The spawn of venus fue realizada para un número de ciencia ficción de EC alrededor de 1954, pero no llegó a ser publicada por la editorial. Finalmente, vio la luz en Witzend #6. Dejamos aquí la primera página, y el resto en este enlace.
Más historias y curiosidades sobre Wood
- Wally Wood animado
- Wally Wood sings
- Las parodias de Superman
- Marlon Branflakes, por Wally Wood
Seguimos con el repaso emprendido estos últimos días al trabajo relacionado con MAD y Harvey Kurtzman. En esta ocasión le toca el turno a una curiosidad en la que intervinieron muy activamente Kurtzman y Jack Davis, una película de stop-animation (o animagic, como llamaron al proceso de animación de esta cinta en concreto) titulada Mad Monster Party. La película, producida por Arthur Rankin Jr y Jules Bass y estrenada en 1967, contaba con guión de Kurtzman y diseño de personajes de Jack Davis, y para acabar de redondear la relación con el mundo del cómic, un póster dibujado por Frank Frazetta, éste:
Entre sus muchos atractivos, la película cuenta con las voces de Boris Karloff y Phyllis Diller (y con dos personajes cuyos diseños recuerdan a los actores), y otros personajes caracterizados como James Stewart o Peter Lorre. Sobre la película hablaron más y mejor Hijo del Celuloide y Absence, así que no insistiremos en el tema, pero dejamos aquí la película completa… eso sí, doblada al portugués (o brasileño).
Ayer, 15 de Mayo, fallecía Will Elder a la edad de 86 años. Aquejado de Parkinson, Elder dejó de dibujar en 2005, el mismo año en que falleció su mujer y se trasladó a una residencia. Nacido Wolf William Eisenberg en el Bronx neoyorquino, Elder será recordado siempre principalmente por dos contribuciones al mundo de los cómics: sus historias en la revista MAD, de la que fue cofundador, y las historias de Little Annie Fanny, en ambos casos con Harvey Kurtzman como coautor.
La combinación del genio creador y planificador de Kurtzman y la excepcional habilidad para el dibujo de Elder darían lugar a páginas y personajes inolvidables, como la mencionada Little Annie Fanny, Mickey Rodent o Melvin Mole. Además, Elder sería el primer diseñador del personaje que se convertiría en estandarte de la revista MAD, Alfred E Neuman. Si algo destacan de su personalidad todos los que le conocieron es su inmenso sentido del humor, su humildad y su agradecimiento hacia sus admiradores, cuyas misivas siempre contestaba incluyendo un dibujo. En el ámbito profesional, dio lugar a un tipo de humor con imágenes repletas de detalle que serían tan influyentes en las generaciones venideras (Robert Crumb, Daniel Clowes…) que daría la sensación de que siempre estuvo ahí y que ha trascendido el mundo del cómic. Sus viñetas repletas de detalle, donde hasta el último resquicio de papel era utilizado para incluir un gag, su capacidad para la caricatura y su endiablada habilidad para imitar el estilo de otros autores (no en vano también se le llamaba el Lon Chaney de los cómics) fueron el vehículo perfecto para que Harvey Kurtzman desarrollase algunas de sus parodias más hilarantes, en una asociación cargada de química que se prolongó a lo largo de muchos años y diversas publicaciones como MAD, Humbug, Trump, Help! y Playboy.
Tanto Kurtzman como Elder, ambos de ascendencia judía, vivieron una infancia marcada por la necesidad de ser el “payaso” de la clase, algo que sin duda les marcaría de por vida y que desarrollarían hasta convertir en un toque de genialidad, y uno de los motivos que el propio Elder citaba para larga y fructífera relación entre ambos fue que “era uno de los pocos que podía hacer reír a Harvey”. Tanto es así que Kurtzman, conocido por ser un maniático del control de las historias que guionizaba y planificaba, nunca rechazó una idea de Elder y le permitía incluir todas aquellas bromas en segundo plano que se convirtieron en marca de la casa en la revista MAD, aquello que Kurtzman bautizaría como chicken fat. Elder siempre mantuvo un espíritu jovial y alocado: Bill Gaines, editor de MAD, llegó a decir de Elder que era “nuestro único autor que vivía una vida tan loca como la revista”, gastaba bromas al resto de autores de la revista constantemente, como aquella vez que quiso pagar una comida del grupo con hojas de lechuga (que llevaba en su cartera) y son famosas sus bromas siendo todavía niño, como aquella vez en el colegio en la que el profesor le encontró dentro de un armario colgado de una percha con la cara embadurnada de tiza, o aquella otra en la que juntó pedazos de cadáveres de reses de un matadero, los vistió con ropas y los dejó en la vía del tren, gritando que su amigo Moishe había muerto.
Elder y Kurtzman se conocen en la New York High School of Music and Art y mantienen su relación durante muchos años, con un paréntesis forzoso debido a la II Guerra Mundial, ya que Elder es reclutado en 1942 llegando a estar presente en el desembarco de Normandía en 1944 y la liberación de París. Tras la guerra, funda un estudio junto a Kurtzman y Charles Stern, y su primer trabajo en la industria del cómic data de 1947, dibujando Rufus Debree para la revista Toy Town. Entre 1948 y 1951 Elder trabaja en American Eagle en Prize Comics Western, y también realiza algunos trabajos para National y Nedor. Posteriormente pasa a formar parte del mítico equipo de EC, para la que realiza algunas historias de guerra, terror y ciencia-ficción, en ocasiones entintando a John Severin. Sin embargo, su estilo y su propia personalidad le convirtien en uno de los ejes fundamentales de la revista MAD cuando Harvey Kurtzman decide crearla 1952, contando también entre sus fundadores con Wallace Wood, Jack Davis y John Severin. Durante los primeros números de MAD, Elder parodia a Sherlock Holmes, Tarzan, Mickey Mouse, Mandrake, La Sombra, Wonder Woman, Popeye, Archie e incluso los propios cómics de terror de EC, y dibuja completo el número 22. A partir de 1954 Elder dibuja también para la revista de EC Panic (12 números), hasta 1956, año en que él mismo y Kurtzman abandonan la editorial.
Tras la marcha de EC, Elder y Kurtzman mantienen su asociación, con el primero dibujando en todas las revistas que el segundo dirige: Trump (1957-1958), Humbug (1958-1959) y Help! (1960-1962). Según Elder, aunque MAD fue la revista donde tuvo mayor libertad, una de las etapas de la que más contento estaba fue la de Trump, ya que fue una revista creada y dirigida por artistas (con el respaldo económico de Hugh Hefner) y porque se les permitía conservar los originales, algo muy poco habitual en la época. Por desgracia, Trump alcanza tan sólo dos números en el mercado.
En Help!, Kurtzman y Elder crean al personaje Goodman Beaver, y una de sus historias, Goodman Goes Playboy (la favorita de Kurtzman), provoca problemas de copyright con los propietarios de Archie. Sin embargo, Hugh Hefner, destinatario directo de la parodia, ya había considerado revivir la revista Trump y decide que las historias de Kurtzman y Elder pueden tener cabida en Playboy. Así Goodman Beaver se traviste en 1962 en las páginas de la revista de Hefner en Little Annie Fanny, una de las creaciones más recordadas del dúo dinámico en la que también participan artistas como Al Jaffee, Jack Davis, Frank Frazetta o Russ Heath y que se publicaría de forma irregular hasta 1988. En Little Annie Fanny, Elder demuestra sus dotes no sólo como dibujante, sino como ilustrador completo, pintando las páginas y convirtiéndolas en una combinación única entre realismo y caricatura. Tanto es así que en 1974, cuando todavía las exposiciones relacionadas con el cómic son algo poco habitual, las páginas de Little Annie Fanny se exhiben en el Brooklyn Museum.
Entre 1985 y 1987 Kurtzman y Elder vuelven a MAD Magazine, y Elder se retira oficialmente en 1988, no sin antes haber realizado numerosas ilustraciones para publicidad, carteles de cine y anuncios de televisión para TV Guide (1976-1985).
La huella de Elder, el tipo capaz de dibujarlo todo y hacerlo divertido, capaz de imitar a cualquiera y mejorarlo, capaz de hacer reír a sus compañeros y capaz de crear un acercamiento nuevo al cómic de humor, permanecerá indeleble en el recuerdo de los aficionados cómic. Y el mejor homenaje, leer sus páginas, como estas publicadas en MAD #8 (1953-1954), a ser posible en una edición decente como la de DC (dos tomos hasta el momento).
Enlaces de interés
- Página web oficial de Will Elder (con un interesante vídeo)
- Will Elder en Wikipedia
- Will Elder en Lambiek
- Extracto de entrevista en The Comics Journal
- Otra entrevista al autor
- Outer sanctum (MAD #5), en Golden Age Comic Book Stories (1 y 2)
- Dragged Net! (MAD #11) en Gatochy’s Blog
- Little Annie Fanny en Comics en Extinción
- Little Annie Fanny en ASIFA-Hollywood Animation Archive (1, 2 y 3)
- Little Annie Fanny recopilada por Dark Horse (1 y 2)
- Will Elder, the mad playboy of art y Chicken fat, editados por Fantagraphics
A mí el 3 de Mayo siempre me trae a la memoria a Goya y su cuadro Los fusilamientos del 3 de Mayo. El dramatismo y la oscuridad de muchas de las pinturas de Goya, en especial su serie de pinturas negras, han sido sin duda inspiración para algunos autores de cómic, como podemos comprobar en el interior de Hellblazer #217, donde Leonardo Manco se inspira en Goya para dibujar esta viñeta:
Cierto, si la cuestión fuese simplemente mostrar un acto de cruel canibalismo infantil, podía haberse fijado en Rubens, pero al parecer la fuerza del cuadro de Goya era tanta que decidió repetir en Hellblazer #219:
Número que, por cierto, luce esta portada de Greg Lauren:
En realidad, varias de la portadas de esta saga, Empathy is the enemy, rinden homenaje a obras de arte más clásicas, como la de Hellblazer #217 (también de Greg Lauren), inspirada obviamente en Miguel Ángel:
También la portada del número 218 iba a remedar un cuadro clásico, ahora sí, de Rubens, pero al parecer los motivos religiosos son a menudo un problema para DC (recordemos la marcha de Rick Veitch de La Cosa del Pantano cuando le censuraron el número en que Swampy se encontraba con Jesucristo) y finalmente se publicó una de esas portadas genéricas tan olvidables. La portada desechada:
Y en el número 221 de Hellblazer, con portada de Lee Bermejo, es el turno de Velázquez.
La portada del número 222, último de la saga, de Lee Bermejo, también rinde tributo a Rubens:
Es cierto que en este caso el parecido es menos obvio, pero como se puede apreciar en la portada del número anterior, Bermejo prefiere ser más creativo que Lauren en sus homenajes. En cualquier caso, el paralelismo es claro, y la gabardina de Constantine se dobla de un modo que excluye cualquier tipo de duda. Además, tiene cierto sentido que tras haber suprimido un homenaje a Rubens en el que suben a Cristo a la Cruz, quieran resarcirse con un homenaje al pintor flamenco en el que bajan a Cristo de la Cruz. Por si alguien se lo pregunta: sí, la simbología sobre el sacrificio de Cristo tiene que ver con el argumento de la historia.
Dejando ya el tema de los homenajes a la pintura clásica en esta (decepcionante) saga de Hellblazer, lo cierto es que también podemos recorrer el camino a la inversa y buscar indicios de narrativa cercana al cómic de la mano de pintores del pasado. Y es más, lo podemos hacer recurriendo a autores nacionales, como por ejemplo el mismísimo Goya, que en 1806 pintó una serie de 6 pequeños cuadros en los que relataba la captura del bandido Maragato. La imagen la hemos tomado de esta entrada de Peripecias de Chiquirritipis, donde podéis encontrar más detalles sobre el tema:
El segundo de los pintores españoles que podemos referir es Pablo Picasso. Si en El Salón Nick Bertozzi especulaba con la posibilidad de que Picasso hubiese incorporado algunos elementos del mundo del cómic en su obra, fue el propio pintor el que declaró hacia el final de su vida que lo único que lamentaba era no haber hecho nunca cómic. Sin embargo Picasso cuenta con alguna obra que no es del todo ajena a la famosa (y discutible) definición de cómic de Scott McCloud como “imágenes yuxtapuestas en secuencia deliberada…”. Así, en Sueño y mentira de Franco I y II (1937), se apuntan esbozos de lo que luego sería el Guernica en una subdivisión en “viñetas”:
Por cierto, ambos aguafuertes fueron publicados por Dark Horse en su antología Reveal #1.
El último de los pintores españoles que queremos referir hoy es Salvador Dalí. Ya de niño dibujaba cómics para divertir a su hermana, entre 1916 y 1917:
En 1935 Dalí realizó el storyboard para una película que nunca llegó a realizarse, Surrealist misteries of New York. Por supuesto, un storyboard no es un cómic, pero digamos que se le parece mucho, ¿no?:
Y vamos a cerrar el círculo volviendo de nuevo al mundo del cómic rindiendo homenaje a la pintura. En 1947 Stan McGovern dibujaba la siguiente tira con referencias directas a Dalí:
La portada de Wanted Comics #50 (Orbit, 1952) también tiene mucho que ver con Dalí. Dibujada por John Buscema, el estilo de entintado es 100% Bernard Krigstein, que trabajó por aquella época en esta editorial (cosillas sobre Krigstein, uno de nuestros dibujantes favoritos, aquí, aquí y aquí).
También la portada de Madhouse #4 (Ajax/Farrell, 1954) tiene mucho que ver con el pintor ampurdanés:
Por supuesto, no podemos olvidar a Jim Steranko y los múltiples homenajes a distintos artistas que rindió en las portadas de Nick Fury, agent of S.H.I.E.L.D., ente ellas ésta dedicada a Salvador Dalí en el número 7 (Marvel, 1968) (más sobre Steranko, aquí, aquí y aquí):
Y para terminar con la sección dedicada a Dalí (todas las imágenes sobre este pintor y algunas más pueden encontrarse en Modern Arf (Fantagraphics, 2005) de Craig Joe) y con el artículo, vamos con una portada del recientemente fallecido Jim Mooney para Star Spangled Comics #79 (DC, 1948):
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